[摘要] 素质教育是中国在改革开放后对教育制度进行改革的结晶,我们的祖先们创造了优秀的文化艺术财富,美术就是其中的一个方面。学习和研究中国美术的发展史是与当代大学生素质教育的目的相吻合的。
[关键词] 素质教育 作用 知识结构
素质教育是中国在改革开放后对教育制度进行改革的结晶,在1982年党和国家为了坚决反对片面的追求升学率即反对应试教育,提出了坚决实施素质教育以贯彻全面发展的教育方针。1993年2月12日,xxx中央、xxx印发的《中国教育改革和发展纲要》第七条规定:“中小学教育要从‘应试教育’转向全面提高国民素质的轨道,面向全体学生,全面提高学生的思想道德、文化科学、劳动技能和身体心理素质,促进学生生动活泼地发展,办出各自的特色。”至此,素质教育模式开始在中小学实行。1996年3月17日通过的《xxx国民经济和社会发展‘九五’计划和20_年远景目标纲要》中指出:“改革人才培养模式,由‘应试教育’向全面素质教育转变。”1996年4月10日颁发的《全国教育事业‘九五’计划和20_年发展规划》中指出:“教育的根本任务是提高全民族的素质,培养德、智、体等方面全面发展的社会主义事业的建设者和接班人。”素质教育模式逐渐影响到包括高等教育在内的国民整体教育体系。素质教育是党和国家发展社会主义新型教育模式所提出的,是指一种以提高受教育者诸方面素质为目标的教育模式,它重视人的思想道德素质、能力培养、个性发展、身体健康和心理健康教育。
中国是一个具有五千年文明史的国度,我们的祖先们创造了优秀的文化艺术财富,美术就是其中的一个方面,学习和研究中国美术的发展史是与当代大学生素质教育的目的相吻合的。素质教育模式的人才培养目标和要求是对学生进行思想道德素质培养、能力培养、个性发展、身体健康和心理健康教育等,而中国美术史也能为高等学校的素质教育提供教育素材和资源。
一、中国美术史是学生了解我国历史的一个窗口
我国是四大文明古国之一,拥有灿烂的物质文明和精神文明成果,作为一个大学生,了解我国的历史发展是自身所要具备基本知识素养之一。试想之,一个大学生对自己国家的历史都不了解,谈何热爱国家,谈何建设国家?而这些灿烂的物质文明和精神文明成果都无不打上了美术的烙印。远古时期的石器工具、夏商周时期的青铜工艺、秦砖汉瓦、魏晋南北朝的佛教造像、唐三彩、宋元时期的瓷器、明清时期的园林建筑等,古人们创造出的这些优秀的文明成果是供我们当代人欣赏的一道文化大餐,也为我们研究历史上的政治、经济、文化、社会制度的发展提供着信息。
美术能陶冶人的情操。所谓情操指的是人对具有一定文化价值或社会意义的事物所产生的复合情感。而美术重要的特性之一就是情感性,人们利用美术来宣泄自己的情感,是人类情感表现的方式之一,也是人类情感升华的重要途径。人的情操属于人的情感中特殊的一类,如道德感(如爱国主义、集体主义、荣誉感等)、美感(对美的感受、欣赏与追求等)、理智感(与满足认知和解决问题相联系的情感)。情操受政治、经济、社会、文化和历史条件等的制约,人的心理发展的过程也是人的情操产生的过程。通过美术,人们的情操不断的得以陶冶,从而增强对自然与生活的热爱和责任感,形成创造美好生活的愿望与能力。同时,美术又是集历史学、文学、美学等多学科知识的综合体。美术创造必须要有生活基础,所以,在我国历史中出现的和美术相关的文物及文献都是当时人们社会生活的再现,有着历史研究价值,对于我们今天了解古代时期的政治、社会、经济、文化的发展有着重要的作用。
二、学习中国美术史能提高当代大学生的民族自豪感
民族自豪感就是国民在日常生活体现出的一种民族精神,优秀的民族精神是本民族屹立于世界民族之林的根本。所谓民族精神,是指一个民族在长期共同生活和社会实践中形成的,为本民族大多数成员所认同的价值取向、思维方式、道德规范、精神气质的总合。
闪耀着劳动人民勤劳、勇敢、智慧光辉的中国美术为世界文明的发展作出了巨大的贡献,在世界文明史上具有极其重要的地位。如中国画中意境的表现方式影响到了19世纪欧洲的现代设计艺术,再如以中国园林艺术为代表的东方园林深刻影响着东亚各国的园林及城市规划建设,这些影响也表明了中国美术不仅是中华文明中的瑰宝,也是世界文明的重要组成部分,在世界美术中也是独树一帜的。
三、学习中国美术史能丰富当代大学生的知识结构
所谓知识结构,是指个人所掌握的知识体系的构成情况及其结合方式。它与知识掌握程度的结合形成一个人的文化素质,全面反映了个人所拥有的由诸多要素组合而成的有层次、有序列的整体知识信息系统。而中国美术史的学习过程实质上是一个审美教育的过程,能够促进学生的全面发展的。
审美教育能帮助人们形成健康的审美趣味和正确的美学观念,提高人们欣赏美、感受美和创造美的能力,成为德智体美全面发展的人。在进行审美教育的同时,也教会学生学习和思考的方法。科学的审美教育能使我们形成良好的分析问题的能力,充分利用马克思主义的辩证原理和方法论,站在历史的角度和辩证的角度去分析问题和解决问题。可见学习中国美术史不仅有利于丰富当代大学生的知识结构,而且有利于大学生运用正确的思维和方法来处理生活中遇到的各种问题。
从以上几个方面的分析理解到,学习中国美术史是和当代大学生素质教育紧密联系在一起的,成为大学生了解我国历史的窗口,增强民族自豪感,丰富知识结构有巨大的帮助。在高校中除了与美术相关的专业外,其他专业开设中国美术史的欣赏和学习,是当前大学生素质教育中的一个重要的组成部分,给素质教育注入了新的内容,充满着新的活力,将会对我国素质教育模式的发展起到强有力的推动作用。
初等教育专业美术专修生将在日后的教育工作中担负着小学美术的教学工作。小学美术教育除培养学生的动手作画能力外，更多的将培养学生的美术兴趣，建立审美意识，学会如何在生活中发现美、创造美。因此，这就要求小学美术教师不仅具有较强的绘画实践能力，而且更要具有很强的发现美和认识美的能力，不断引导学生培养正确的审美认识，这一能力的获得就必须要求美术专修生有正确的、全面的、较强的对美术作品和美术现象的鉴赏能力。
在美术教育工作中发现，很多美术专修生通过一段时间的专业技能训练，画面表达能力有较大提升。同时也经常反馈这样的信息：画的真好，某某物体画得真像；也有学生将自己的作品给我点评，当我反问学生，你觉得自己的画怎样时，学生就傻了眼，除了对表面的形体、体积、空间的判断，然后就无法深入的思考与认识，当面对梵高的《向日葵》、罗中立的《父亲》等这样的经典作品更是无法鉴赏。教师平时可能一味注重绘画技能的训练，忽视了学生鉴赏能力的培养，造成了“眼低手高”的局面，这样下去学生的画面会越来越“匠气”，学生会严重缺乏正确的审美认识与艺术创新意识，也将无法适应美术教育工作。
>下面就如何加强学生鉴赏能力培养浅谈我的看法：
>一、加强美术理论学习，建立审美体系
在目前的美术教学中，美术史论的教学是相当薄弱的，无论是课程设置还是教师教学本身。往往只注重了绘画技能的培训，造成了普遍的“眼低手高”的僵局。
加强美术史论的学习，全面了解中外美术的起源、发展、演变、流派等，让学生建立基本的审美意识和完整的审美体系。当然，这种理论的学习是比较枯燥的，教师应当结合当时社会环境、社会反应和社会影响来教学。例如：唐代张萱的《捣练图》，描绘了当时贵族妇女的生活风俗；阎立本的《步辇图》描写了文成公主与松赞干布这一汉藏两族通婚的史实；宋代张择端的《清明上河图》把汴京的繁华景象，汴河上下的各种人物、景物等社会生活风貌无不具体而生动、真实地展现给我们，在绘画史上具有重要的价值；吴道子所画的人物颇有特色，笔不周而意足，貌有缺而神全；他还善于轻重顿拙似有节奏的“兰叶描”，笔势圆转，衣带飘举，盈盈若舞，形成“吴带当风”的独特风格，风行一时……徐悲鸿画的马、郑板桥画的竹、李可染画的山等等，除了给我们以美的享受，还让我们了解历史，认识社会，向我们传达了一种精神。通过教师将作品、人物、社会背景进行有机结合，将在很大程度上激发起学生学习美术史论的兴趣，帮助学生逐步建立审美体系。
>二、赏析经典作品，强化审美意识
教育学家第斯多惠在教师规则中讲过：“我以为教学的艺术，不在于传授的本领，而在于激励、唤醒。没有兴奋的情绪怎么激励人？怎么唤醒沉睡的人？”学生阅历、知识、经验的不足，很难对美术作品积极主动地欣赏。这就要求教师在美术鉴赏教学中对学生作适当的引导和激发。
于此，教师应经常性赏析一些不同类型的经典作品让学生感受、体验、分析、判断，而获得审美享受和美术知识，强化审美意识。教师可帮助学生分析美术作品的形象、情节，特别是一些引人入胜的细节，如父亲耳朵上的笔、蒙娜丽莎的神秘的微笑等等，再通过生动恰当的语言描述，以此为突破口引发学生的注意力和兴趣。
另外，学生受文化修养、社会背景的差异影响，审美需求和角度也不一样。教师要能容忍和接受学生的各种见解和感想，对学生的审美倾向和差异持有正确的态度。
>三、提高习作质量，渗透审美情感
在日常的绘画中，不仅是提高绘画表现技法的学习，更是进行审美渗透的好时机。那怕是一个简单的陶罐，一幅普通的风景，也要求学生对客观物象进行概括、提炼，渗透进自己对物象的审美情感，甚至可以通过物象表达对社会状态及人物情绪的表现。通过这种长期的思考与练习，让学生不由自主地将绘画练习与审美情感相融合，以此来建立良好的审美认识。
我想，通过以上方法的教学与实践，定会让初等教育美术专修生的美术鉴赏能力得到较大提高，当学生建立了完备的审美体系和较强的审美能力后，对画面本身也有大幅的提升。
总之，美术不仅属艺术范畴，它是学术，是社会科学，以学术启发技术，点石成金，技进乎道，庶几不惑，则更易于成为艺术。
本章内容包括了旧石时代与新石器时代两个时间段，主要介绍了旧石器时代的打制石器、新石器时代的绘画、雕塑和工艺美术。史前时期是中国美术的起源和萌芽时期，先民的审美意识即发端于此。原始先民在不断改造自然的过程中，技术与意识得到了锻炼与发展，由此产生了最早的美术品 --打制石器，因此打制石器涉及到美术的起源问题，应引起特别关注。陶器的发明、磨制石器的广泛应用有及农业的出现标志着人类社会进入新石器时代。新石器时代的彩陶文化发达，成为该时期美术品的主要门类，因此彩陶艺术是新石器时代美术的考察重点。此外，工艺美术领域的黑陶、雕塑类中的动物形与人形雕塑虽然不会出现大题，也应当引起大家的重视。无论是何种美术门类，史前时期的美术最明显的特征是艺术与实用的结合，而且在个别美术门类上实用性似乎更突出一些。
一、时间概念
1.最早的原始刻划艺术品。
2.旧石器时代晚期的装饰品。
3.新石器时代的文化谱系。
4.早期的刻划符号与原始文字。
二、重点概念
1.彩陶，主要考察彩陶的定义，一般以名词解释的形式出现。
2.黑陶，黑陶的定义及代表文化，常常会以填空、选择、名词解释等形式考查。
3.岩画，史前时期的绘画艺术除了彩陶装饰，岩画是最重要的，对岩画的定义、分布范围、典型代表、艺术特色等内容均需牢记，除了会以填空、选择、等小分值题目考查外，还会以名词解释、简答等形式考查。
三、难点分析
1.关于美术起源的认识。美术的起源是一个复杂的问题，至今没有在学术界获得一致认识，人们普遍认为美术的起源伴随着猿人的进化、工具的制作及思维的发展而产生，其中劳动的作用不可替代。对此，要了解目前比较流行的几种关于美术起源的理论，并对这些理论做出科学合理的评价。涉及到此问题时，一般会以论述题的形式出现。
2.彩陶文化的分类。新石器时代比较发达的彩陶文化有位于陕西、山西的仰韶文化、甘青一代的马家窑文化。其中仰韶文化又分为半坡类型与庙底沟类型，马家窑文化又分为石岭下、马家窑、半山和马厂类型。对于上述每个类型彩陶的造型、纹饰要重点掌握，考试中出现名词解释、简答等题目的概率很大。
3.岩画的时空分布及艺术特点。中国的岩画分布范围广，各地的题材风格并不一致，因此要注意区分南北方岩画的题材风格方面的`差别。
四、小结
作为中国美术的起始阶段，史前时期的美术种类在数量和质量上与后世不可相提并论，特别是在关注绘画与雕塑的传统美术史观的支配下，本章内容不是考查重点，特别是在论述题中考查本章知识点的可能性极小，但是随着对史前美术的重视，越来越多地院校在出题时开始向本章倾斜，题型一般是名词解释、简答，当然填空、选择等题型历年都会出现。
思考练习题
一、填空题
1.旧石器时代的主要石器类型有 、 、 、 、 。
2.目前仅知的最早的原始刻纹艺术品是分别发现于 遗址的 和 遗址的 。
3.仰韶文化彩陶因时间、地域差异而被分成两个不同的类型，分别是 和 。
4.马家窑文化彩陶分为先后连续的三种类型： 、 和 。
5.黑陶中的 品种艺术成就最高。
6.我国史前时期的地画遗迹仅发现一例，系1982年10月在甘肃秦安 遗址，属于 文化晚期。
7. 文化以轮制技术制成的蛋壳黑陶因器形别致、工艺精巧而著称。
8.新石器时代，长江流域和南方地区流行地面及 建筑。
年在辽宁牛河梁发现了 文化女神庙遗址。
10.西安半坡出土的 是我国新石器时代仰韶文化彩陶的杰出代表。
二、选择题
1.半坡类型彩陶中最有特色的装饰图案是( )。
A.花卉纹 B.蛙纹 C.鱼纹 D.鸟纹
2.青海大通上孙家寨出土的( )是马家窑文化彩陶中的一件杰作。
A.舞蹈纹彩陶盆 B.颧鱼石斧图彩陶瓮 C.人面鱼纹彩陶盆 D.人头形器口彩陶瓶
3.日前发现的中国最早的陶器距今( )年左右。
4.( )遗址出土的木胎圈足漆碗，是我国目前发现最早的一件漆器工艺品。
A.仰韶 B.大汶口 C.河姆渡 D.丁公
5.比较明确的原始文字出现在( )时期。
A.龙山文化 B.仰韶文化 C.大汶口文化 D.红山文化
6.距今一万八千年前的( )除有较精良的工具外，还出现了前所未有的装饰品。
A.峙峙人 B.北京人 C.丁村人 D.山顶洞人
7.红山文化发现的泥塑( )表现了对祖先的崇拜或寄托对大地母神、农业丰收、万物生育的虔诚祝福。
A.少女头像 B.女神像 C.动物 D.神人面具
8.动物形象的陶塑中，陕西华县太平庄庙底沟类型晚期墓出土的( )具有代表意义。
A.陶狗 B.陶鸮鼎 C.陶龟 D.陶猪
9.( )的发明和磨制石器的应用是新石器时代的两大标志。
A.农业 B.火 C.家畜饲养 D.陶器
10.河南临汝阎村出土的( )彩陶缸，图像简洁醒目，反映了氏族兼并的重大历史事件。
A.三鱼纹 B.鸮形 C.鹳鱼石斧图 D.人头形
三、判断题
1.新石器时代的彩陶是在陶器烧成后再于器表施彩绘的陶器。( )
2.红山文化的“C”形玉雕龙是我国最早的玉龙形象。( )
3.仰韶文化出土的原始漆器，说明我国髹漆工艺源于新石器时代。( )
4.青海大通上孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆堪称是庙底沟类型彩陶艺术的杰作。( )
5.新石器时代的绘画艺术除了彩陶装饰纹样以外，还有壁画、地画等类型。其中，1982年甘肃秦安大地湾遗址发现的壁画残块是中国迄今发现最古老的壁画遗迹。( )
参考答案
一、填空题
1.刮削器、砍砸器、尖状器、手斧、球状器 2.山西峙峪遗址、刻纹兽骨、河北兴隆洼遗址、鹿角 3.半坡类型、庙底沟类型 4.马家窑类型、半山类型、马厂类型 5.蛋壳陶 6.大地湾、仰韶 7.山东龙山 8.干栏式 9.红山文化 10.人面鱼纹彩陶盆
二、选择题
三、判断题
1.×
解析：彩陶是先描绘图案后入窑烧制。
2.√
3.×
解析：河姆渡文化出土的漆器是我国最早的漆器实物。
4.×
解析：青海大通上孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆是马家窑文化彩陶艺术的杰作。
5.×
解析：中国迄今发现最古老的壁画遗迹是辽宁牛河梁红山文化女神庙遗址出土的壁画残块。
论中西方绘画的区别和联系
中国绘画艺术与西方绘画艺术都有着令人回味无穷的艺术感染力,它们一致追求和谐与真、善、美的统一,但由于地域、文化、观念等的影响,在长期在各自的历史文化背景中形成了明显区别的各自传统,成为中西两大绘画体系,影响着世界画坛的发展。
本文将以这两大体系的代表画种“中国画”和“油画”位论点,对这两大体系的性质、特点进行比较分析,从中找出共性和各自特色为以后的艺术学习研究创作夯实基础。
论文关键词:中西方;绘画;区别;联系
画由人为,画的不同,即是人的不同,价值观的不同,也是环境文化的不同。
这又离不开人所处的特定的环境和时代。
马克思认为:对艺术的思潮,流派或艺术家,只有从历史的发展中才能认识它产生的原因,判断它的社会价值,从而便于我们批判的借鉴。
通过中西方绘画性质、特点进行比较分析,最终认识到中西方在差异和区别之上的共同目标。
一、中国绘画艺术特点
植根于儒道文化的中国传统绘画,在“天人合一”的哲学观影响下,追求人与自然的整体和谐。
中国画是“人化了的自然”之审美理想的心印,是笔墨概念根与自然发于心源,而又超越自然的现实主义和浪漫主义线的结合,是情质并发的思想感受。
中国人的禅学思想比较发达,形和意之间的关系不是很实在的,中国传统的美学观念是以天人合一,自然、朴实、返璞归真为美,往往借助山水、花鸟、虫鱼等抒发个人的情怀,“情景交融”,并将自然物象尽收笔墨之下。
中国画讲求“以形写神”,追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。
中国画家对待被描绘的自然态度不是被动的、对立的,而是主客观统一的,正如唐朝张b所说“外师造化,中得心源”,即强调到大自然中去观察、研究、体验,感受大自然之灵气,吸取其生命之精华,融入自己的心灵与感情,并将自己的感情与精神注入大自然之中,使二者融为一体,达到物即是我、我即是物的地步。
这样作画时,便是画家发自心得的感受,有了然于心中之意象,在达到自由地表现自然的富有生命的神韵的同时,也抒发了个人的情怀,表现了画家的心灵、人格与精神风韵。
这就是中国画的“天人合一”、“心物合一”、“形神统一”的创作观念,即形式与内蕴统一的传统艺术思想。
在这种创作观念的影响下的中国绘画,是自由的、写意的,是以笔墨造型的,所以构成的艺术世界是意象的、表情的、意境的。
同时,中国画不是定点写生,而是将不同时间,不同角度观察对象获得的形象特点,有机的组合在一起,着重表现审美感受的真实。
在懵懂之时，对于西方那些天价拍卖的画作，常常是嗤之以鼻，想着如此简单的画作我也可以。但是，随着知识的增长，终于明白拍卖的不是画，而是画中的文学与精神。所谓的艺术修养，其实是对过去，对社会，对画家精神世界的品析。
艺术是意识形态的表现手段之一，同时具象化了当时的经济政治和宗教。画家如何将当时社会形势在画作中表现出来，以及在画作表现出的故事性，是需要细细品味的。就像文中所说的古希腊罗马艺术，表达了人性的光辉，体现了文艺复兴对人的关注;到了中世纪欧洲的艺术，表达了对上帝的敬畏，体现了宗教在当时社会的影响力之大;再到现代艺术，科技的发展，社会的开发，给人们的想象提供了更广阔的空间，艺术也不再局限于小小的画纸，更能反映出每个人不同的精神世界。
教学中渗透的意义对于中学美术教学而言，对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养需要循序渐进，既不能忽视绘画艺术的创新性又不能过于强调美术艺术的创新，教师要能够把握其中的内涵价值所在。探究现代绘画艺术中的创新意识对于学生进行美术作品的创作十分重要，如若大部分学生都能够领悟到美术中的艺术内涵，那么现代中学美术教育的质量就会理所当然地提升上来了。
1.现代绘画艺术及其创新意识
（1）现代绘画艺术概述现代绘画艺术，顾名思义，就是在现代艺术氛围中滋生出来的绘画作品，而且，相对于传统的绘画艺术而言，现代绘画艺术与生活的关系较为密切。通过对现代绘画艺术的观察可知，很多绘画艺术作品中都存在中西方美术艺术文化的影子，而且，经历了漫长的历史时期文化的渲染，以及社会变革的影响，使得现代绘画艺术本身有着较为独特的味道，其中不乏一些创新的内容[3]。绘画艺术创新，是绘画艺术家们所追求的最高境界，可以看到，即使是同一个艺术家，他在不同时期所创作的绘画艺术风格也都不尽相同。
（2）现代绘画艺术的特征从总体情况来看，现代绘画艺术有着几个较为明显的特征，其中，最为突出的一个特征便是现代绘画艺术中所潜藏的艺术精神以及创作理念几乎彻底颠覆了传统的美术艺术，这也是代表着一个时代的艺术者对于珍视现代美术艺术的态度。从传统绘画艺术与现代绘画艺术的差别来看，后者忽略了对画面物体本身的形象性勾勒，转而表现绘画艺术所能给人们带来的视觉感受[4]。绝大多数艺术形式都是较为抽象且充满美感的，只不过人们对艺术本身的认知与领悟能力存在差别，所以，对同一艺术作品的感受就有所不同。
2.中学美术教学与现代绘画艺术创新意识的融合
从教学实践过程来看，尽管了解到了现代绘画艺术中的创新意识对于美术教育的重要性，但对中学生创新意识和鉴赏能力的培养并非一蹴而就的。从具体教学策略来看，中学美术教学与现代绘画艺术创新意识的融合需要一个长期的培养教育过程，教师通过对现代绘画作品内涵的解析，来启发学生创新意识[5]。可能有的学生对现代绘画艺术创新的领悟能力会有所不同，因此教师对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养要循序渐进，不断地启发学生、鼓励学生学会欣赏现代绘画艺术作品的演变过程，以及艺术家们在创作作品时的细节变化。只有在教学过程中融入这些内容，才能有助于学生更好地理解美术这门艺术的内涵价值、学好美术这门课程，并以此来提升中学美术教学的质量[6]。
（1）教师通过对现代绘画作品内涵的分析，启发学生的创新意识在诸多现代绘画艺术作品中可以发现，绘画艺术大师终其一生都在不断地进行艺术创新，从一幅幅绘画作品中，便可以窥见艺术大师创作理念的变化以及创作风格的转变。创新，是艺术大师区别于普通画家最明显的一个特征。现代绘画艺术创作的思路源于生活，但它又高于生活本身，而且，有很多艺术创新理念都是源自于中西方绘画艺术火花的碰撞，从而滋生出一个新的创意点，借助艺术大师之手，将创新的思维通过绘画艺术这一表达形式呈现给世人。教师在教学过程中，要启发学生对现代绘画艺术创新意识的领悟，并要鼓励学生在创作个性化美术作品时，要能够将自己创新的内容融合在作品当中，进而形成自己的风格[7]。当然，教师要提示学生，独立美术创作风格的形成是在具备一定美术技能基础上才能够实现的。
（2）对学生进行现代绘画艺术创新意识的培养要循序渐进，以此提升中学美术教学的质量中学美术教学的过程中，往往会出现与艺术本身偏离的状况[8]。从现实的角度来看，中学美术教学与现代绘画艺术鉴赏也不可能完全契合，但却可以将二者有机地融合在一起，让现代绘画艺术创新意识的枝丫在中学美术教学课堂中任意滋长。由于现代绘画艺术与生活的关联性真实存在，而现代绘画艺术家们在创作的过程中又在时刻强调着艺术创作的独立性，以及他们毫不掩饰对创作自由的追逐，因此，在其艺术作品中经常可以发现一个似乎远离社会的空间存在。基于此，在中学美术教学中，教师要能够把握好现代绘画艺术对这种海市蜃楼般景象的追求意识，将艺术家在绘画艺术作品中所融入的似是而非的创新理念提炼出来，给学生以启示[9]。从某种程度上讲，现代绘画艺术创新意识在中学美术教学中渗透的意义十分重大，不仅可以促进中学美术教师自身技能的提升，而且还有利于培养学生鉴赏美术艺术的能力，进而转变现代美术教学培养的方向，令中学师生都能够具备一定的艺术素养[10]。从现代教育领域的发展进程中可以清楚地看到，学校教学的过程绝不仅仅是传授固有的知识内容，而是需要注重对学生思想意识的培养，以及通过有效的教学策略来激发学生的艺术灵感，进而为国家培养出一批批有着创新思维能力的优秀艺术型人才。从教学实践中发现，萦绕在美术学科专业教学过程中的现代绘画艺术创新意识极为宝贵，同时也能够明显感觉到，在中学美术教学中融入现代绘画艺术创新意识较为可行，可以在一定程度上提高中学美术教学的质量，同时也为培养未来致力于发展艺术专长的高材生夯实美术功底。
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本学期选修了近代美术史，由于高考基本能力科目涉及大量美术及其鉴赏的知识，中学初步学习了有关西方美术的知识，当时仅仅注重对西方美术的流派及其人物作品的学习，很少涉及对美术作品的鉴赏。但是对美术的欣赏与鉴赏产生了一定的兴趣，使我选学了西方美术史。通过这学期的学习，使我更深的了解了西方美术的博大精深，感受到国外众多画家流派的风格，深刻地感觉到，不能以好看不好看来评价画的好与坏，要深刻地了解当时的社会背景和画家们的思想境界才可能对某个画家作出正确的判断。首先我想先理顺一下西方美术的发展过程：西方美术在经历了较长时间的原始美术之后，逐渐发展了包括美索不达米亚、古埃及、古罗马、古希腊时期的美术，课上老师主要讲授了对古希腊和古罗马时期雕塑和绘画的鉴赏及区分。雕塑师古希腊艺术的灵魂。古希腊的雕塑家们对身体结构的认知，对神态的描摹以及对雕刻技术的运用，都达到了炉火纯青的境界。另外古希腊雕塑具有很强的感染力，比如，雕塑《掷铁饼者》，最初见到这件艺术作品时，我还完全不知道什么是古希腊艺术，但当时依然给我很深的震撼作用，雕塑者给予了这件作品完美的线条，生动的神态，赋予了它神秘的神话色彩，让人一下就置身于这种豪迈的气势中。而古罗马艺术在建筑上成就很高。大型建筑物风格雄浑凝重，构图和谐统一，形式多样。
罗马人开拓了新的建筑艺术领域，丰富了建筑艺术手法。接下来的中世纪美术由于受到教会的制约，开始不注重客观世界的真实描写，而强调所谓精神世界的表现。这一时期建筑艺术高度发展，拜占庭教堂、罗马式教堂和哥特式教堂是主要的成就。十七世纪在欧洲出现了巴洛克美术，发源于意大利，主要是追求激情和运动感的表现，强调华丽绚烂的装饰性。十八世纪洛可可风格在法国兴起，其特点是追求华丽纤巧和精致。期间随着法国资产阶级大革命的到来，先后出现了新古典主义艺术运动和浪漫主义画派。德拉克洛瓦和席里柯都是杰出的代表人物。十九世纪是现实主义美术蓬勃发展的时期，期间的大量作品或深刻反映了当时的社会矛盾或歌颂人民的辛勤劳动。十九世纪后期在法国产生了印象派，受到现代光学和色彩的启示，注重在绘画中表现光的效果。二十世纪以来，现代美术呈现出流派迭起，千姿百态的局面。在如此多的流派时期的作品与画家当中，印象派给我的感觉最深刻也最独特。可能最初学习钢琴的原因，曾经学习过印象派音乐德彪西的《月光》，再了解美术的印象派时我的印象更加深刻。德彪西尝试以音乐捕捉事物的印象或情绪，在他的音乐中，色彩、音色与节奏的重要性绝对不亚于和声与旋律。这种特点跟印象派美术非常相似，印象派画家就是注重表现绘画中光与影的变化。
我查阅了各类资料，加上我一些个人的认识和观点，形成了以下的一些看法。“印象派”这个名称不是画家自己取的，1874年4月，几个青年艺术家在巴黎的一个摄影师的工作室举办了”无名画家、雕刻家和版画家协会”的展览，看展览的人很多，但对于这种新风格的绘画却难以接受。因为莫奈展出了一幅名为《日出·印象》的作品，有一个杂志记者就把他们讽刺性地称为”印象派”。印象派画家并没有一个组织或团体，也不是想发起一场艺术运动，但这个展览一出来，他们就被看成了一个有共同艺术倾向的群体，印象派这个称呼就这样被人们接受了，而且还把他们称为印象主义绘画。拂晓时分，一轮红橙橙的太阳缓缓升起，挣扎着冲出平静的水面，奋力地划破浓浓的晨雾，露出自己的面目。朝阳，染红了天空，染红了云彩，染红了水面，染红了画布，染红了我们的视觉。三艘小船，早已扬帆，摇曳缓进，沿水而行，由远及近，慢慢行驶出重雾，渐渐淡入到前景，静悄悄的，好像不忍惊醒远方还在沉睡的港都，隐约约的，好像不敢干扰眼前正在凝视日出的观众。日出而作，日落而息，新的一天开始了。这就是莫奈给我们的《日出印象》。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。观看日出给我们带来了人生感慨，而对艺术家是好的表现题材。红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。
而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。莫奈把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。1892年2月至4月中旬及1893年，莫奈在两次大行动中为鲁昂教堂绘制了30余幅油画。他是从三个不同的位置画的。第一个位置差不多选在教堂的正对面，即一家衬衫店。商店内的工人来来往往，使得他无法工作;他于是又在一家时装店二楼的试衣间安顿下来;由于顾客的埋怨不绝于耳，画家只得用一扇屏风把自己同外界隔开。到了1893年，他又选了第三个地方;这一次，他经常从两个不同的角度同时作画，最多时候同时画14幅画，随着光线和时间的转换而不停地奔波于各帧画幅之间，努力捕捉色调和明暗的变化，树立起其色彩的构架。《鲁昂大教堂》，壮观的建筑形象，完全被强烈的反射光冲淡了，看了令人目眩。建筑物本身的结构似乎被一层厚厚的光所包裹。看上去笔触狂放不羁，实际上是画家在长时间观察后才落笔的。
当莫奈画完鲁昂教堂的连作之后，精疲力竭，视力几乎不能恢复。对太阳光谱如此迷恋，正是这位艺术家的特殊的个性表现。在画鲁昂教堂时，莫奈有时把画架放在鲁昂时钟大街一角的一幢房子里，有时就干脆在大桥的马路上，面向教堂的西大门。从黎明的薄雾画到昏昏目落，不断在好几幅画布上记录建筑物在阳光下的反射光变化。庄严的哥特式教堂在他的眼里，成了一簇充满着色彩旋律的光的结晶，人们已经看不到建筑物本身的结构，只有一层刺眼的复杂的反射光。对莫奈的作品评价最为中肯、理解也最为深刻的当推其多年好友——政治家乔治·克莱蒙梭。乔治在一篇题为”教堂革命”的文章中写道：”灰暗的物体，其本身因阳光的照射而获得生命，获得给人们的感官以印象的能力。但这种围在物体表面、深入其内部、反射至外部空间的光波，始终处于杂乱无章的状态：有时如高耸入云的‘波涛’，有时如风平浪静的‘水花’，有时则像是一场‘急风暴雨’。物体正是依靠这种‘有生命’粒子的狂放不羁才得以显现出来，我们也正因为这种狂放不羁才可以看见物体，同时物体也正是因此才得以显出其确实存在;那么一件东西在光的照射下究竟是什么样子，这是我们现在必须弄清楚的，是画家所要阐明的，也就是通过画家之手来进行化解和重新组合。”
在这五幅《鲁昂大教堂》的画面上，可以领略不同的色彩感觉。从中可以看到莫奈对光和色彩的探索匠心，在光照下教堂的轮廓被冲淡了，显得很微弱，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每一瞬间表面色彩之幻影与长久不变的形体结构的对比关系。这两幅色调不同的同一教堂所呈现的形象和气质也不一样。画家运用浑厚的笔触层层叠加画法，形成大片的碎块厚涂，使教堂具有分量和体积感，深沉而神秘。在印象派绘画出现之前，法国巴黎乃至整个欧洲画坛，都是以安格尔为代表的所谓新古典主义和派占据统治地位。印象派从精神上是对立于古典传统绘画的，强调创新。创新在什么地方呢?风景、人物、裸体这些题材早已被前人画过几百年了，这些题材是不会触怒古典主义和派的。他们不屑于像宗教和文学那样主题性地再现现实，提出应而随意地表现生活与客观物象，注重画家对于现实情境的自我感受和自觉表现，擅长于对现实情景的生命状态和存在形式进行直觉式的客观再现与描绘，将绘画从客观的自然再现转向主观的精神表现，以迎合新兴市民阶层审美的需求，努力反映印象派具有绘画独立性的美学观念。
因此，他们的创新主要在于画法以及对于题材的态度，其实，印象派画家并不是反对以自然为师，他们离开画室，采用小尺寸的画框和便于携带的油画布及其他材料，就是到大自然中去转瞬即逝的色彩变化，去寻找宣泄自己情感的方式，去发现和创造自己的思想。正如文艺复兴运动使欧洲从中世纪摆脱出来一样，“印象派”的出现，则标志着艺术家从室内走向了室外，从画面的一种近似于“酱油色彩”的调子走向了色彩斑斓的画面，从古典画法的看不见笔触到现在的自由奔放的笔触，从关注宗教题材到表现乡村题材和平凡生活的变化，从客观再现到主观的精神表现等。20世纪初期，印象派已经成为广受欢迎的艺术流派。它在法国取得了最为辉煌的艺术成就，遍及欧洲，并逐渐传播到世界各地。以上就是我通过结合西方美术史的学习对印象派美术(主要是莫奈的艺术作品及风格)的一些粗浅见解。短短十个周的学习，使我对美术知识认识还很有限，对画家及其他们作品的评价可能有点片面和不足。但是，完成西方美术史的选修后，再鉴赏外国画家的作品时，不再人云亦云，能够提到自己的观点。这或许就是选修西方美术史后最大的收获吧。
17—18世纪的欧洲美术是美术史发展的一个重要阶段。这是一个承前启后的阶段，它上承文艺复兴，下启欧洲的19世纪。17世纪的巴洛克艺术影响了后来的罗可可艺术，影响了19世纪的浪漫主义、印象主义以至20世纪的野兽派和表现派 ;17世纪的学院派古典主义影响了后来的新古典主义和立体派美术等;17世纪的现实主义艺术倾向，对后来的18世纪市民艺术、19世纪的现实主义也都有着明显的影响。
17世纪的美术是多元化的，即各种风格流派并存，并互有影响。在这本书中把17世纪的欧洲国家分为三种类型，而在这三种类型的国家中基本流行着三种艺术风格。第一种是^v^势力占统治地位的国家，如意大利、西班牙等国家，在这些国家，受到宗教势力支持的巴洛克风格占上风;第二种类型是君主专制和王权至上的国家，如法国，在这里占上风的是古典主义艺术风格;第三种类型是以商人和市民为主的国家，如荷兰，在这里，封建王权、教会均不占主要地位，流行的是现实主义的市民艺术和卡拉瓦乔主义。
在上述三种类型的国家里，都流行着不同程度的卡拉瓦乔主义。卡拉瓦乔主义就是17世纪的现实主义，是一种倾向和思潮，曾在欧洲各国获得普遍承认和流行。它具有鲜明的 时代气息和民族、民主思想的特色，带有质朴的非官方的特征。卡拉瓦乔主义在17世纪的欧洲影响颇大，只有充分地承认它的存在，才能全面理解17世纪的艺术和17世纪艺术领域的对立和斗争。
与文艺复兴时期相比，17世纪的欧洲美术首先是出现了许多新的民族画派，强调打破和谐，主张真实的自然美。卡拉瓦乔的艺术就是这样。同时，17世纪美术作品中的人物多具有鲜明的社会特色和时代风貌。有时带有明显的社会批判色彩，这和17世纪动荡不安 电动势带有关。进入17世纪，美术作品中的宗教气息更加淡薄。在这一时期，艺术家的队伍开始两极分化，有的成为教会或宫廷的座上客;有的走向基层变为平民，甚至成为贫民窟的破产者，不可避免地促成了艺术思想上的对立，加剧了流派之间的斗争。17世纪美术的体裁和题材大大地丰富和扩大了。17世纪艺术家由于重视观察自然，加深了对描绘形象的研究，更加丰富了艺术的表现手段，特别是对光的运用。
总之，17世纪各派杰出的艺术家都作出了不同的贡献，各有千秋。卡拉瓦乔主义艺术、巴洛克艺术和古典主义艺术构成了17世纪艺术发展的主要内容，但是，这三个流派之间并不是相互孤立的，而是既有区别，也有相互交流与影响。正是由于这种关系，才造成了17世纪欧洲艺术的丰富性和复杂性。
>一、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的必要性
我们研究上海高中使用的两种教科书会发现，教材中美术鉴赏部分以中华民族艺术及国外古代经典艺术为主，比较缺乏现代艺术的鉴赏内容。就此，笔者在20xx年10月份对执教的上海市金山区亭林中学高一、高二的班级做了调查问卷，统计调查结果如下：学生对现代艺术家的认知度在34%，对现代艺术概念的理解度在18%，对现代艺术名作的认知度在30%，对现代艺术展览的参与度在21%。根据问卷调查结果分析，大部分高中学生对现代艺术很陌生，学生对四项现代艺术的基本要素的了解或参与程度最高不超过35%。另一方面，我们看学生对现代艺术的兴趣的统计数据：在我们问卷对现代艺术作品向学生举例说明后，根据问卷调查结果分析，71%的高一、高二学生对接触现代艺术感兴趣；10%的学生认为一般；19%的学生没兴趣。大部分学生之所以感兴趣主要是因为认为现代艺术激发想象、独特新奇和时尚美观。可见，学生对现代艺术形式和内容是充满了兴趣的，但是处于似懂非懂的状态，而现行的教材对现代艺术的内容设置比较缺乏，学生对社会中接触机会很多的现代艺术的“鉴赏”兴趣和能力未得到满足。所以，笔者认为在高中美术鉴赏教学过程中，很有必要做导入现代艺术的探讨和实践。
>二、现代艺术与高中美术鉴赏教育的匹配性分析
1、现代艺术解读
现代艺术起源于古代地中海沿岸（埃及、希腊、西亚）的西方艺术。可以将现代艺术理解为在科学和理性的原理之上，用各种不同类型的视觉风格组合而成的一座大厦。本文想研究说明的主要是最新的现代艺术后期的主要内涵，主要包括以下几类：大地艺术（EarthArt）、装置艺术（Installation）、概念艺术（ConceptualArt）、过程艺术（Processart）。现代艺术表达的价值观主要是几个方面，一是不求纯粹；二是善待传统；三是非个人化，四是多种标准。
2、与高中美术教育的匹配与结合
并不是所有的现代艺术内容都适合高中生群体，现代的高中生活泼好奇愿意接触和尝试不同的文化和艺术形式，同时他们又具备了很强的自我意识，对强迫性接受的知识有很强的抗性，而且他们的自我判断力和思考力也没有成熟。从原则上看，我认为还是从学生的兴趣和艺术价值的本源出发相结合考虑，能开拓视野激发想象力、提高审美感、故事感、共情能力等感知力的艺术形式，介绍一些最新的、时尚的、具备新奇独特性能够激发学生想象的内容，并且规避一些内容，两者结合作为高中美术鉴赏教育的补充。
从实践上，先从现代艺术简史的介绍开始，选取4种形式的现代艺术——大地艺术、装置艺术、概念艺术、过程艺术的代表作品，通过多媒体的方式呈现教学，介绍代表艺术家，对作品表达的思想和艺术价值做评价，然后在做交互式的批判评价，并且可以结合初级的艺术实践，最终达到艺术评价和批判相结合。
>三、现代艺术导入高中美术鉴赏教学的意义笔者在经过一段时间将现代艺术导入高中美术鉴赏教学课程的实践之后，认为这样的实践有以下重要的价值：
1、文化艺术兴趣的培养
现代艺术从表现内容上是取材于我们现实生活；从造型语言上可以是一张老照片、旧衣服等，具备了多样性。实践证明，新异的现代艺术能够形成对学生的强吸引力，进而能培养学生对文化艺术的兴趣、知识及鉴赏能力。
2、开阔视野，提高创新意识
现代艺术重视科技和思维两大内涵，因而与现代艺术媒体有极强的结合。通过现代艺术实践，学生可以更深刻的体会到多元的文化、科技、材料知识、信息、新观念等，可以明显的激发学生的创新意识。
3、批判性思维方式
高中生的世界观和价值观以及审美观正在形成，通过现代艺术的批判性鉴赏，可以培养学生看待社会事物的思维方式，不轻信、不盲从、不唯书、遇到事物去思考分析、鉴别批判的思维方式对他们有益。
看着《外国美术史》，感受着书中鲜活的生命和多彩的画卷，思绪万千。闭上眼睛，想象着自己就站在卢浮宫三宝面前：胜利女神雕像、断臂维纳斯和蒙娜丽莎。很是激动，当然谁都知道，它们是卢浮宫的镇宫之宝。人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，美术术史是人类发展的最基本的一部分。外国美术史包罗广泛，包括绘画、壁画、雕刻、装饰、建筑等。还有它的发展过程，发展规律;不同流派的形成,历史变化和特色特点;各个历史时期西方美术的风格演变及深层的文化，历史，人文，美术产生根源。
本书其阃所经悠民迭宕的古代希腊与罗马美术，中世纪的艺术样式文艺复兴的绘画雕塑与建筑，近代不同国度与地域的美术流派和现代主义美术等等。其中令我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与^v^，他们的生平种种，让我们了解了天才成功的不易与艰辛。时代造就了他们，他们也成就了时代，他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，因为他们告诉我们，艺术是门伟大的科学，终求一生,值得为之奉献，为之探索。
通过读外国美术史，让我更加深刻的了解到了外国美术的宽广宏伟。我不仅要了解每个不同时代的美术，同时也要注意每个时代的文学，了解这个时代的风土人情,历史政治，科学成就。因为美术的发展和历史的发展紧密联系着。这样的学习就使美术知识变的立体而丰满，从而更高视野和整体的把握了每个不同时代的美术。不仅提高了我对外美史的认识和理解，运用，还和其他专业科目融会贯通，增强了我的整体艺术素质。这也让我深刻的感受到了，真正好的艺术不一定是模仿得最像的，而是要有自己的个性、自己的思想、自己的理解。
博大精深、源远流长往往是形容我国古代艺术文化、悠久历史的最佳词汇。一个线条，一个轮廓，一抹色彩，看似简简单单的几笔，画家却能够用远近呼应、以动衬静等手法将人物、山水表现得淋漓尽致、唯妙唯俏，这就是我们中国古代绘画的精髓所在!
从远古的陶瓷绘画，到魏晋的墓室彩绘砖，再到隋唐的壁画，个人感觉，相比较于西方油画的死板，我们中国美术讲究的是形散神聚，画家们举手投足之间一挥笔墨，就能表达自己对人物、事物的态度与看法——不论是一种巫术，还是讽刺官僚、表现民生疾苦，抑或是细致刻画某种动物等等。通过这几次选修课，我觉得古代的画家不仅仅是画家，他们往往能够用笔墨批判现实或者是表达某种愿望或抱负，总之，绘画的目的已经远远超越了欣赏，我们能够从众多的绘画之中感受到它们所带来的内涵美、意境美，这也是值得我们去欣赏、去研究的地方!
在美术鉴赏这门课中，我印象最深的就是顾恺之大师。顾恺之，字长康，晋陵无锡(今江苏无锡)人。顾恺之博学有才气，工诗赋、书法，尤善绘画。精于人像、佛像、禽兽、山水等，时人称之为三绝：画绝、文绝和痴绝。谢安深重之，以为苍生以来未之有。顾恺之与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。
顾恺之作画，意在传神，其“迁想妙得” “以形写神”等论点，为中国传统绘画的发展奠定了基础。老师上课细心地讲述了洛神赋的故事， 《洛神赋》是古代有名的诗人曹植用神话隐喻着失落了爱情的感伤的诗篇《洛神赋》，是中国古代文学中的一篇重要作品。曹植所爱的女子甄氏，在他的父亲曹操的决定下，为他的哥哥曹丕夺去。甄氏在曹丕那里，没有得到稳固的爱情死得很惨，她死后，曹丕把甄氏遗留的玉镂金带枕给了曹植。曹植在回归他自己的封地的路上经过洛水，夜晚梦见了甄氏来会他，悲痛之余作了一篇《感甄赋》，塑造了洛神的动人形象，也就是被他美化了情人的形象，甄氏的儿子曹睿将它改名为《洛神赋》。
恺之知识渊博而有才气，擅长诗赋、书法，尤其精通绘画。工人像、佛像、禽兽、山水等。当时有“才绝、画绝、痴绝”之称。他的画师法卫协而又有所变化，他的画有敷染容貌，以浓色微加点缀，不求晕饰;笔迹周密，紧劲连绵，如春蚕吐丝，春云浮空的特点。史有以曹不兴、顾恺之、陆探微、张僧繇合称“六朝四大家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展，影响很大。
而在我国古代鼎盛的唐朝唐太宗时期，也不乏优秀的作品出现。比如在《步辇图》中，唐太宗被一群宫女所环绕、包围起来，并且就连座椅都是宫女们抬起来的，这些许表现了阎立本对当时唐太宗、当时整个唐朝的不满与讽刺，但同时，从来使的衣着与恭敬地神情以及唐太宗面庞的丰润、目光深邃、神态威仪而不失和蔼也能充分展露出盛唐一代明君的风范、一种神圣不可侵犯的威严所在。可谓是既表现了对吐蕃的蔑视，又在表现唐太宗风貌的同时表达了自己对唐朝不敢与吐蕃对抗的看法和讽刺。
古代绘画给我留下无穷的回味，而当代大师的作品亦能展现出中华民族的灵魂所在。
“痴于绘画，能书。偶为辞章，颇抒己怀。好读书由，略通古今之变。”一代书画名家范曾用这二十四个字评价自己。
范曾，字十翼，别署抱冲斋主，江苏南通人，当代中国著名的国画大师，开人物画一代风气之先。作品熔山水花鸟人物于一炉，集诗、书、画三绝于一身，在绘画语言上有创新，功力不凡。他的古代人物画，识者谓其气韵生动，神彩飞扬，精湛娴熟，笔力遒劲，线条简括，形象生动。
《鬼才范曾》封底上的那幅《钟馗雅趣图》，正是范老“鬼才”的一个集中表现。范老擅作写意人物泼墨人物，力追古代梁楷、法常诸人，笔墨浑厚，造型生动。他继承了南宋梁楷以来简笔泼墨的手法，形成了自己独特的风格。其人物作品之传神，固出于其才气之敏悟与博学好思之修养，至于其笔墨之能得其神，则应出于其锲而不舍的勤奋和努力。这幅《钟馗雅趣图》
1.笔法洗练、形象生动豪放。简单几笔构型有状，神采豪放，线条有样，生动鲜活。钟馗的坦胸开衫的简洁笔法将健硕洒脱的形象描绘得入木三分。卧蚕双眉，红脸多髯，使钟馗的戾气渐隐，英气伶伶俐俐的流露出一点点，不可谓不惟妙惟肖。颈肩与手部的洗练线条使人物更具质感，跃然纸上。
摘要：该文从中国20世纪前期的美术史出发，探讨不同时代背景下产生的具有不同时代特征的艺术，着重阐述了20世纪几位代表人物所处的时代背景和他们所秉持的精神追求和人文关怀，并对比当下中国当代艺术的发展趋势和精神追求，从而得出艺术是时代的产物，它不是孤立存在的事物，什么样的时代造就什么样的艺术。
关键词：中国近代；20世纪前期；美术史；当代艺术；时代产物
谈及中国20世纪前期的美术史，那个时期的艺术受到政治、外来文化、社会变革等多种因素的影响。在国家危难、民族存亡、励精图治、效法西方、西为中用的时代背景下，绘画也成为救亡运动的载体和武器。
在中国社会激烈的变革中，美术对推动社会转型起到了重要的作用，同时也获得了很大程度的发展。很多热血志士留学海外，探寻救国之路。他们试图通过绘画开启民智，宣传进步思想。李叔同、高剑父、何香凝等在日本学习绘画艺术，把西方的裸体艺术传播到了中国，在传统的中国社会引起了轩然大波。裸体艺术在当时算是中国开启文明的一个时代标志。而今天的学院教育仍然坚持百年前的人体艺术教学模式，很多人仍然不明白为什么要画人体、怎样画人体，现在所画的人体和以往古典的人体、后印象派的人体、立体派的人体、超现实主义的人体有何不同，这是当今的学院教育应该思考的问题。在美术教学中，如何实现个人的绘画语言与当下的时代性有机融合也是值得思考的。20世纪初，上海开埠以来，受到越来越多西方文明及绘画的影响，出现了与传统中国画不同的海派，其以赵之谦、虚谷、任伯年、蒲华为代表。新生事物的产生总会受到旧势力的攻击和阻挠。海派的产生和中国当代艺术的产生有着相同的时代因素。1978年改革开放以后，各种西方的书籍、画册涌到中国，短短几十年里，中国的先锋艺术家学习、借鉴了西方历经几百年的艺术样式和图式风格，如观念艺术、行为艺术等。在当时，“当代艺术”这个词就像洪水猛兽，让很多人难以理解和接受。
随着西方进入现代文明时期，先锋艺术家纷纷登上历史舞台，对传统艺术进行了彻底的革命，今天的艺术家必须重新思考艺术是什么，艺术作品的指向变得更加重要。艺术家须置身于当今的文化环境中，思考社会形态的变化，艺术已经变成个人生存体验和生活态度的载体。观念性是当代艺术的一大特征，也是当代艺术区别于以往艺术风格的一种形式。可读性和可识别性变成了绘画的主体，绘画语言的可识别性是一个画家区别于其他画家的主要标志。艺术虽然没有好坏之分，但是有品位的高低之别。什么是高品位的作品？笔者认为，技术与思想完美融合，同时符合时代特征，表达个人内心真情实感的作品就是高品位的作品。如今，虽然我们没有如先辈那样崇高的历史责任，把绘画变成改变国家命运的武器，但是我们仍然应当关注当下的社会并表现出人文主义的关怀，创造出符合我们这个时代需求的艺术作品.
>1 印象派的诞生
19世纪六七十年代，西方画坛初步诞生了一种独特而又新颖的画风，完全变革了古典艺术的绘画素材以及绘画手段，新兴的绘画思维与审美品位吹拂艺术的殿堂，印象派由此产生。19世纪的主要美术流派有：古典派、学院派、浪漫派、写实派、印象派。印象派在对这些流派的或反对或继承上发展出了它所独有的新面貌，不同于古典派、浪漫派的“崇尚理想”，更不同于学院派的“闭门造车”，印象派与写实派在描绘现实生活上还是有接承衣钵的感觉。但印象派与传统流派的绘画风格有很大出入，印象派摒弃了古典画派的古板与浪漫主义的浮夸，脱胎于传统思想之中。受益于光学理论的发展，印象派画家感受自然中的色泽，聆听自然的动人旋律，捕获自然的光和影，通过手中的画笔，勾勒出心中的色彩，描绘画家独特的感受。例如，印象派的起始作品，克劳德·莫奈的油画《印象·日出》即是运用光影的代表之作。光线与色彩的运用是印象派画家的代表绘画手法，他们透过眼睛捕捉到事物的闪动点，再使用手中的画笔重现记忆中的感受，印象派的名称由此得来。画家描绘自己印象中的事物，竭力突出自己的主观感受，将自己对自然的热爱，对自由、平等的渴望淋漓尽致地展现出来，在当时犹如海啸般冲击着传统绘画观念，在西方美术形式变革中起到无可替代的领头作用。
>2 新印象派的发展
新印象派的产生，是源于印象派融合十九世纪后期实证主义以及科学乐观主义两大思想，解决传统印象派色彩表现不严谨的问题。新印象派在绘画过程中结合科学手段，严格分析光影，通过构建色点排列组合完成绘画。另外，构图手法上使用坚实的数理分析，通过装饰处理后形成新的印象派画风，即新印象派。代表人物有修拉与西涅克等。新印象派与印象派的不同点在于，新印象派更关注科学理论的研究，例如，新印象派参考法国化学家米歇尔·欧仁·舍夫勒尔完成的《色彩的谐调与对比原理及其在艺术中的作用》，完善了绘画色彩的科学分析，形成了一种绘画理论。
>3 后印象派对西方美术形式的巨大影响
后印象派是西方较早的主观绘画，是现代艺术的起源。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统。印象派与新印象派都着重于对光学、色彩的探究，能够充分利用光影、颜色完善绘画手段。然而，印象派画家对绘画事物的感受仅仅止于表面，绘画展现出来的内涵只是画家看到事物那一刻的印象，忽视了事物本身的价值和意义。面对印象派绘画过程中的这一问题，十九世纪80年代法国的部分画家，开始呼吁印象流派要突出画家主观感受，挖掘事物的本质内涵，在绘画过程中逐渐运用光彩、事物形态的表现性因素，后印象派以此为契机产生。
（1）后印象派的绘画艺术风格。后印象派的英文名称是“Post—impressionism”，而“post—”这个前缀词有着“后于……与……对抗”的意思，它其实是对印象派的一种反叛，它并非一个流派，而是印象派之后出现的一种绘画现象，它没有供人交流的社团场所，更没有共同的艺术纲领与组织宣言。没有相似的艺术风格，但是却又有共同的绘画理念，即在绘画中不拘泥于事物的客观物象，通过挖掘事物的本身价值充分展现画家的主观印象，而这也是后印象派区别于印象派以及新印象派的关键。后印象派的画家有着多种多样的绘画风格，有的擅于把握事物的形态结构以及主观重量感，用画笔改变事物的体积形态来展现其自身特征；有的擅于运用光影的强弱以及画笔的力度，利用激昂的笔触挥发内心对自然的热爱；有的擅于在理性中释放强烈的情感，利用独特的平涂绘画方式以及装饰性的画风挥洒胸怀。后印象派各个画家之间拥有着各自独特的画风，艺术风格千变万化，但他们都拥有一个共同理念，即在追求事物本质特征的过程中把握主观感受的再生，不断挖掘新的绘画艺术表现形式与方法。
（2）后印象派的代表人物。后印象派的独特绘画风格严重冲击了西方传统美术形式，而后印象派的代表人物则是凡·高、塞尚以及高更。他们三人是后印象派的巨匠，是后印象派的引领者，是现代绘画艺术的先驱。后印象派的三大巨匠在他们的作品中淋漓尽致地展现出他们对事物形态结构的肯定，以及对色彩装饰、光影、绘画艺术设计、变形手法的充分运用。
塞尚完全突破传统的艺术绘画手法，专注于自己的内心想法，通过有意识地筛选并结合结构的理念将事物完整的展现出来。塞尚擅于把握事物的结构，注重理念观点以及绘画整体美感，重视绘画要素的排列次序。塞尚追求绘画艺术的坚实结构以及理性与自然的完美结合，塞尚终其一生都在为他理想中的拥有质感、体积感、稳定感的事物坚实结构而探索。例如，塞尚的作品《静物》、《圣维克托尼尔山》，在对事物的理性分析中挖掘结构特性，结合内心主观感受，完成极具现代气息的绘画艺术作品。塞尚独特的艺术绘画追求推动了西方美术形式的变革，解放了人们拘束的传统绘画思想，是当之无愧的欧洲现代主义之父。他主要影响了现代主义中结构主义的发展。
凡·高与塞尚不同，塞尚追求事物的坚实结构，而凡·高则注重于人性的表现。例如凡·高的作品《向日葵》、《自画像》。都是运用快速连续的笔触以及夸张的绘画方式，激昂地表达自己内心对生命的感受，赋予作品深沉的内涵。他主要影响了现代主义中表现主义的发展。
高更与前两者不同，主张利用记忆中对事物的印象进行创作，追求艺术绘画的纯真。例如高更的代表作《塔希提岛的少女》、《我们从哪里来？我们是什么？我们到哪里去？》。高更运用简单而激烈的色彩，豪放的笔触，描绘出自然而清新的原始美感。他则主要影响了现代主义中象征主义的发展。
（3）后印象派对西方现代艺术的影响。后印象派完全违背西方传统美术形式的绘画原则，给艺术领域带来新的绘画思想与创作观念，启迪了现代主义艺术。后印象派的两大主张：主张着重于理性观念的把握，重视事物的结构性，以及主张画家内心情感的表达，则引领着现代艺术的前进步伐。后印象主义绘画偏离了西方客观再现的艺术传统，强调了绘画的立体感与风格独特化，也使绘画的构图更具有力度，放大了艺术家的思想界面，是西方现代艺术的起源。
>4 结束语
后印象主义的出现推动了西方艺术的前进，颠覆了传统艺术逻辑，为今后的现代艺术提供了新的观念与创作手段，带领着各个绘画流派摸索新的艺术发展道路。
摘要：刘海粟是中国新美术运动的拓荒者，中国新美术教育的奠基人。他为中国美术教育事业做出杰出的贡献，在绘画上成就卓著，在美学思想和美术史论造诣上为中国现代绘画美学的开创和发展做出了贡献。
关键词：刘海粟 美术教育 美学
作为20世纪美术和美术教育的拓荒者、艺术大师，刘海粟除以杰出的艺术成就彪炳画坛，又以其独特而完整的美学思想体系和美术史论造诣，为中国近代绘画美学和美术史论的开拓、发展做出了贡献。其中很多著作，观点新颖独到，详细而精确地论述了艺术的本质和艺术表达的内容与表现形式，分析了艺术的审美标准与价值。刘海粟的理论在现代绘画美学上具有超越和创新精神，尤其是他所强调的艺术所具备的主观表现、艺术情感和艺术个性。
一、为中国的美术教育事业做出杰出贡献
刘海粟是中国新美术运动的拓荒者、新美术教育的奠基人。1912年，刘海粟创办上海美专，也就是南京艺术学院的前身。为了上海美专的生存发展，他多次向亲戚借钱，参加义卖资助办学，把香港画展中100万港币的画款全部捐献给南京艺术学院。刘海粟坚持走自己的教育之路，努力摆脱传统的学院主义的束缚，坚决反对禁锢学生的艺术思想，提倡个性发展。主张兼容并蓄，提倡艺术风格的多样化。他十分重视外出写生，强调艺术创作要尊重自然，贴近生活，师法造化。课堂上，他严格要求学生通过各种写生活动来深入了解自然世界，尊重客观，在对静物、人物和风景写生时，不能照搬原物，要根据自己当时的感受去灵活生动的表现它们。刘海粟始终坚持艺术实践，曾经多次上黄山写生，每次都把对黄山的不同感受都表现的淋漓尽致，以表达他心目中黄山的永恒之美。这就是至今仍值得我们钦佩的“黄山精神”。这精神就是尊重客观世界，结合主观表现，不断创新，突出个性。我们从他一系列的黄山作品中，能够深深地体会到一种从量变到质变的过程。刘海粟首次倡导在中国使用人体写生，实行男女同校。他的关于人体艺术的美学思想精论是对传统伦理美学思想的超越，在民国绘画美学史上有重大影响，为开创西方式的美术教育作出了贡献。
二、倡导中西融合，注重创新和个性的发展
刘海粟倡导中西融合，反对“全部西化”。1929年刘海粟首次赴欧学习考察两年半。在法国和意大利等国努力汲取西方绘画真谛，同时不忘介绍、宣传中国美术。他的油画作品能使人感受到一种中国气息，因为他把中国传统的国画元素运用其中，包括中国画的笔触，线条，表现形式等，所以他的油画作品风格独特，具有国画的意蕴。早年刘海粟的油画写生中明显带有中国画的笔画，如《前门》、《向日葵》、《休息》、《在此》等优秀作品。而他创作的国画，又是在传统国画的基础上，巧妙地结合了油画的空间感和独特的质感。尤其是刘海粟晚年的作品，形式新颖，主题突出，色彩强烈，突破了传统国画的表现形式。这正表现了他所坚持“融合中西以创新”，“发展东方固有艺术，研究西方艺术蕴奥，从创新中得到美的统一”。
刘海粟的绘画注重个性发挥，无论国画或油画都充分展示他特有的性格。在70年的艺术生涯中，他“始终是自己走自己要走的路，自己抒发自己要抒发的情感”。他的作品是由自然、生活所激发，真切而实在的主观思想情感的表白，体现了时代、民族特性。在艺术创作过程中，刘海粟特别强调在尊重客观的基础上结合个人的主观意识，突出艺术家的个性。1982年10月，他和南京艺术学院学生谈话时说：“黄山有永恒的美，但她有各种各样的变化，使我永远画不尽，要知道学无止境，艺术无止境，每上一次黄山，就是跟大自然较量一次，也跟自己较量。我画黄山，每次都有那么一点新意。”因此，“客观与主观相结合”和“主观表现和个性发展”并重是刘海粟所遵循的艺术创作原则。他认为表现就是艺术家强烈的渴望用独特的、极具个性的艺术语言表达自己的生命和人格。
三、为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献
通过系统的研究中国古代绘画美学，刘海粟形成了自己独特而完整的现代绘画美学体系，其精髓就是情感、个性和主观表现说。他发表了许多论著和译著，如《日本新美术的新印象》、《梵高》、《高更》、《欧游随笔》等一系列著作中，渗透着他的表现主义美学观，可以说，中国美术表现主义体系及其理论的进一步确立是由他开始的。刘海粟也是一位出色的美术史论家，是中国近代美术史论的先驱之一。他对艺术史见解独到，认为“一部艺术史，即是一部创新的历史”。刘海粟的观点洒脱，对艺术的抒发强调创新，从统摄艺术史趋势入手，敏锐把握美术发展的时代脉搏。刘海粟的美学思想体系，为中国现代绘画美学的开创和发展作出了贡献。
在艺术多元化的今天，回顾刘海粟在20世纪中国美术史上的贡献，使我们从他积极进取和实践创新精神中重新找到创作的动力，我们不会忘记他在艺术上的创造性成就和为祖国美术教育事业作出杰出的不可替代的贡献。
激发学生美术学习兴趣探究
摘要：新课程要追求的理念之一就是如何激发学生学习美术的兴趣。
在美术教学中，只有学生创造并且发现到其中的美，才能对学习产生浓厚兴趣并积极参与，最终获得良好的学习效果。
因此，作为一线教师，可以通过创造艺术氛围、开放课堂、利用必要的激励方式、运用恰当的教具演示、组内合作与组外竞赛、在游戏中渗透教学内容等方式方法来激发学生学习美术的兴趣;
这样，在美术课堂中把趣味性与知识性、科学性结合起来，并能恰当运用多种教学手段，美术课必然会活起来，学生学习美术的兴趣会更浓。
关键词：激发兴趣;学习方法引导;注重教法
美术是美育重要组成部分，美术课的目的正是为培养学生以一种独特的审美的艺术眼光来观察美、感受美、发现美和创造美。
那么，如何通过美术课培养学生的审美观，使之具有感受美、创造美的能力呢?
一、激发学生学习美术的兴趣，使其发现美、创造美
“兴趣是最好的老师。
”学生有了兴趣，就会乐在其中。
美术课首先应注重培养对美术的兴趣，这是至关重要的。
因为学生的学习态度大都受兴趣的支配，是学习的主要动力。
通过多年的实践证明，激发学生的兴趣，使课堂成为轻松、愉快的乐园，是达到这一目标的前提。
爱因斯坦曾说过：“兴趣是最好的老师。”
因此，我们要培养学生的兴趣，并且还要关注学生综合素质的培养。
重视学生创新精神的开发和学生实践能力的培养。
孔子说：“知之者不如好之者，好之者不如乐之者。”
兴趣是学生接触、认识、掌握某种事物和参与某种活动的心理倾向。
对于活泼好动的学生来说，趣味教学尤为重要。
有了学习美术的兴趣，学生才能主动地、积极地去学习美术。
趣味犹如磁石，紧紧吸附着学生们的心，整个学习过程就会显得轻松、活泼、兴趣盎然。
美术课上除了教师讲授知识外，课后举办一些作业展示，以一个组为展区，每次同时将两个组的学生作业展示出来，相互比较，以“重在参与”作为美术作业展示的宗旨，创设愉快轻松的美术环境。
学生的作品虽还不完美，却大大调动了学生学习美术的兴趣。
二、在自由自在的作画中，培养创造美的能力
学校中的一切教育目的无非是为培养富有创造精神的全面发展的人而打下牢靠的基础。
而运用情趣的培养、审美能力的提高，最终也是为这一目的服务。
只有这样，才能开发其创造力，使教学收到事半功倍的效果。
要想让学生对客观事物产生新奇的注意，以新颖的眼光，用与众不同的方式去认识和处理事物，充分发挥其个性的创造力，
就不能太偏重于技法训练，过高要求“画得像”的作法，只会束缚学生的手脚，降低他们的趣味性。
因此，让学生自由自在作画，用画画表现自己的情感，并随时表扬作业中发挥得好进步显著的学生，以作业讲评和举办小小优秀作品展来增强他们的信心。
另一方面使知识和技法慢慢地渗透给学生，培养了其观察能力，使其养成良好的习惯，并能由浅入深地进行训练。
生活赋予我们许多灵感。
学生们作品与其创造时时启发着我进一步的升华。
我上“布贴画”这一课是因为上了“树叶拼贴画”之后，发现学生在作业中充分发挥出自己的聪明才华，趣味性强，创作余地大，学生的兴趣仍有得以延伸的需要。
于是我就先让学生看到自己作品的成功，进而享受到成功的快感，激起学生学习，再学习的愿望。
这样有的学生拼贴人物，有的贴风景，或是静物等，无一雷同，尽管有的是离奇的，但充满幻想，有自己的个性，不失天真之美，具有一种成年人望尘莫及的魅力。
三、加强学习方法指导
在教学过程中，教师不但应注重教法，更应加强学生学法的指导，帮助学生树立必胜的信心，克服厌学情绪，培养学习兴趣。
如上中学美术欣赏课时，应向学生讲明欣赏课的学习重点是：学会观察，着重分析，多看，多想。
面对一幅美术作品，要求学生首先对所获得的信息进行阅读并研究，分析作品的形式特征、作画背景等，从而深入思考教师所提出的问题，最后教师做出归纳总结。
这样，既能让学生主动参与到课堂学习中，并且能在教师的引导下对教材进行分析解读，从中学会怎样欣赏一幅美术作品。
如此反复，在课堂上采用多种教学辅导手法，例如以语言传递信息为主的方法，包括讲授法、谈话法、讨论法;以直接感知为主的方法，
包括演示法、参观法;以实际训练为主的方法，包括练习法、实验法;以欣赏活动为主的教学方法进行加强指导。
又如在欣赏课教学中，总会有学生提问要怎样欣赏这类或那类的美术作品，教师可借鉴有法而不言法的艺术处理方法，
通过独特的方法引导、启发学生自寻欣赏方法，这样不仅培养了学生的能力、情感，同时也增添了教学魅力。
例如在国画欣赏课中，教师设疑：“如何认识一个人?”学生答：“内在品质及外表。
”教师引导：“观画如观人。
”学生在赏析过几幅作品后总结出国画内在神韵与外在笔墨的欣赏品评标准。
这样，通过教师引导，启发学生创新思维，巧妙地留出教学中的“空白”，培养了学生的想象力、创造力，同时达到了不教之教之目的。
四、鼓励异想天开，给予学生艺术表现的空间
苏霍姆林斯基说：“在人的心灵深处，都有一种根深蒂固的需要，说是希望自己是个发现者、研究者、探索者，在儿童的精神世界里这种需要特别强烈。
”在美术课程教学中，学生对新的知识往往从片面的、肤浅的认识到全面、理性的认识。
教师要从学生现有的知识基础入手，引导他们发现新知，鼓励他们有自己的看法，即使这些看法并不完全正确，也要肯定其合理、正确的一面，以激起学生的学习热情，激发他们更多的创新灵感，从而认真地学习。
让学生插上想象的翅膀，并且给予学生艺术表现的空间。
作为美术教师要允许学生个性的自由发展，允许学生兴趣的不同方向，承认学生存在的个体差异，承认学生对知识掌握的速度有快有慢，接受知识的能力有强有弱，要留给学生足够的空间和时间来消化和掌握知识。
没有一门学科能像美术这样直接有效地作用于学生的创造力和潜能的激发。
综上所述，“激发学生兴趣，让学生发现美、创造美”是教学中的一个有机的、不可分割的整体。
把教与学融于一体，只有采取创新意识的教学内容和教学方法，才能培养出未来的创造性人才。
参考文献：
[1]张桂木.美术课程标准教师读本[M].武汉：华中师范大学出版社，.
[2]杨春生，辜敏.美术教学实施指南[M].武汉：华中师范大学出版社，.
[3]康军平.创设良好情境激发学习兴趣———对初中美术课堂教学的几点认识[J].青年时代，(22)：209.
[4]孙冰艳.初中美术课堂教学情境创设艺术[J].陕西教育(教育)，20_(11)：64.
西方美术史课件
西方的美术历史，大家了解哪些信息？与中国的相比，有哪些区别？
设计思想：
《美术欣赏》的教学，不仅要让学生了解和欣赏一些古今中外的美术作品，尤其要让他们掌握如何去欣赏、认识和理解这些美术作品的方法，逐步提高审美能力和鉴赏水平。
外国现代主义绘画是标新立异、多元化的艺术世界，从再现客观世界转变为表现主观世界，表现形式也从具象转变为意象和抽象，与传统的绘画艺术在观念和形式上都有很大的区别，欣赏难度较大。由于受传统审美习惯以及我国特定的社会、政治环境的影响，我们在相当长的时期内不能正确认识和理解外国的现代主义绘画，特别对广大中学生来讲，这是一个陌生的艺术世界，一个急切想了解的艺术世界。随着改革开放，我们有机会更多的接肋外国现代主义绘画的展览和作品，但人们常常是“许多人去看了，有些人窃窃私议，不说好，也不敢说不好，更不敢说看不伍，而事实是看不值。” (施蛰存语)我们有必要对现代中学生进行欣赏外国现代主义绘画员基础的启蒙教育。
外国现代主义绘画种类繁多、流派纷呈，表现形式和艺术理论也各不相同，它的出现有其政治的、经济的、文化的、哲学的历史渊源，对于外国现代主义绘画，不仅在我国，就是在西方也是褒贬不一，众说纺坛，要通过一节课让学生真正了解和接受外国的现代主义绘画是不可能的，因此本课的重点以转变学生的欣赏观念为主，以不能把象不象，看懂看不懂作为美术欣赏的标准为线索，通过一些现代主义绘画的代表面家自身从具象到意象、抽象的观念和表现形式的转变，引导学生理解现代主义绘画的欣赏特点，初步学习用视觉艺术的语言去欣赏美术作品，开拓视野，逐步提高学生对外国现代主义绘画的鉴赏能力。
课时：
一课时
教学目标：
认知：
通过对外国现代主义绘画的介绍，使学生能正确认识外国现代主义绘画，初步学习用视觉艺术的语言去感受和欣赏外国现代绘画作品，了解外国现代主义绘画的艺术特征。
操作：
以教师讲解为主导，启发学生在读读、议议、看看、谈谈的过程中逐步提高欣赏外国现代摄绘画的能力，充分发挥学生的主体作用。
情感：
培养学生欣赏外国现代主义绘画的正确的审美情趣，陶冶情操，激发学生的求知欲望。
教学重点与难点：
重点：外国现代主义绘画的欣赏方法
难点：正确认识和理解外国现代主义绘画。
教学准备：
电脑课件以及相应的投影仪等
教学过程：
一、引出课题：
由于受传统审美习惯的影响，我们常用“栩栩如生”这样的词汇来称赞我们认为的 好作品。(通过提问由同学再补充几个“栩栩如生”的近义词，如：惟妙惟肖、形象逼真、活灵活现??)
但是，我们现在从画册上、展览中看到的许多外国现代绘画作品，其中包括世界级 艺术大师的作品，却再也不能用“栩栩如生”这个标准去衡量了，有的画得不象，有的让 人看不懂，这些作品还算不算优秀的艺术作品，应该怎样来欣赏，这就是本课要与同学 们一起讨论的课题——“标新立异的外国现代主义绘画“。
(课题：“标新立异的艺术世界——外国现代主义绘画”)
(翻开课本P42)
二、外国现代主义绘画简介：
西方现代主义绘画，是指西方国家从十九世纪末、二十世纪初发展起来的现代绘画 中的某些流派——野兽摄、立体派、未来派、达达派、表现派、超现实主义、抽象主义、波普艺术等的统称。
“现代主义”或“现代派”是和某种新的、非传统的、区别于过去的艺术思想联系在一起的。
(投影以上的文字，加深印象。)
现代主义的产生并不单是一种艺术现象，它也有一定的社会历史背景，有思想根源和 哲学基础。
(看课本P48，请同学朗读第二段)
(教师概括讲述)
本年度，本人认真学习马列主义，^v^思想和^v^理论, 坚持四项基本原则，热爱祖国，热爱中国^v^。教育教学指导思想明确，安教乐教，有事业心和责任感。服从学校工作安排，对工作精益求精。遵纪守法，为人师表，乐于助人，团结协作，文明礼貌。
为了提高同学的综合能力，这学期开设了书法课，因为是开的新课，没有经验，所以在教学过程中，通过大量的阅读和对书法教材的分析，首先，我先将课堂分为两大块，①传达;②应用。其次，课堂以互动为主，使同学们轻轻松松的学好、练好，提高自身现有的书写能力。在教学过程中，尽量做到教学相长，通过给同学们教课自己也在不断的充实和提高。常言道：“要给学生一碗水，自己要有一桶水。”通过学习，自己也得到了提高。
作为一名初中美术教师，我感到由衷的自豪，因为在这片洁净的土地上有我的梦想，我为梦想而快乐的学习和工作着，看到那梦想之花开遍校园内外，我欣喜!那美丽映照出了我们园丁的辛勤和劳苦，更映射出我们教师的朴实和伟大。有了这样的心境，有了这样的目标，在今后的学习和工作中，我会加倍努力，为孩子们能轻松愉快的学习好，而寻找和创设更好学习方法和环境空间!
书法课总结
书法是中国人献给世界的最美丽、最迷人的礼物。这是庞中华的经历了20多年的硬笔书法文化传播后发出的呼唤。通过书法艺术教育，传承中华民族优秀文化，同时通过书法学习让学生逐步养成良好的书写习惯，及良好的品德意志。
书法是献给世界人民最美丽、最迷人的五色音乐，孩子们通过练习书法，不仅增强了审美意识，而且每个孩子的气质也得到了培养。通过一学期来书法艺术教育，不仅关注学生写字的姿势、习惯，更重视书写的正确、端正、整洁、美观。
学校领导十分重视书法课教学，积极组织教师探讨新型写字课堂教学模式，提高学生写字兴趣，积极开展书法普及活动，面向全体师生，将写字教学工作作为学校全面实施素质教育的一项内容，常抓不懈，努力让书法艺术这块瑰宝在我们的校园发扬广大。
在培养学生对写字兴趣与爱好上，我有自己以下几点粗浅的做法：
①从我做起，上课做姿(正确的执笔)，必须做到兴正、身直、臂开、足安。
②鼓励学生，揣摩字形、将字写得端正、整洁。
③教师的字示范作用。教师的板书，作业中的评语，点评对于学生起到潜移默化的示范作用。学生善于模仿来源于对教师的崇拜儿理，教师书写范字时，间架结构的合理安排行笔的轻重缓急，使学生直观的感受了书写的韵律美和结构美，从而激发学生良好的兴趣。 ④争取各种力量，结合学校实际，摸索出一条行之有效的书法之路，使书法教育成为我校的特色。书法课进入课堂，每周定时、定内容、定地点进行，使之课程化。 今后我们会不断努力，进一步抓好
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