一、油画语言是画家表达审美情意的一种工具
油画语言的表达的历程即是油画艺术的发展变化。一种艺术语言的转换，在一定程度上影响到人们的思维方式，并进而转变了人们的观察方法和审美理念，从而不同程度地推动了其自身的发展。是画家进行形象思维并把这种思维转化为无声的东西的手段。艺术思维是注入艺术家个性的思维，想法的不同在相当程度上决定着油画表达的个性，所以，一个没有独立思考能力的人，一个不会用自己的眼睛去观察，不会用自己的头脑去认识世界的画家，他的绘画语言最多是熟练和模仿，熟练地陈词滥调和鹦鹉学舌，是画不出优秀的、新颖的、独具个性的作品的。在艺术多元化的世界文化发展的进程中，艺术个性得到了拓展，绘画语言也随之得到了发展，油画语言表达体现了画家个性特质和审美倾向。在语言的运用上，因受不同的因素的影响，而形成的以不同特色的语言形式反映在画面上的特性。最后通过艺术家品性、不同的生活环境在各画家油画创作中的体现也有所不同，就形成了不同风格。事物是画家所存在的这个真是的世界，油画语言是画家的精神追求与情感表达的方式，通过某种艺术语言形式的展现，在油画作品中呈现的油画语言作为审美符号所出现。把客观事物通过油画语言所展现，通过心灵对外界的感性把握，使其具有精神思考与启迪的特点。印象派时期的大师梵高，他的油画作品《麦田与收割者》他试图用色彩去揭示精神，用了很耀眼的金灿灿的黄色来表达收割时人们喜悦的心情。用短而有力的笔触来传递那种收获的情感，在他笔下那强烈的色彩清晰的点旋转运动和夸张的变形的形象作画更生动了表现了他的作画心情和他要表达的情感。
二、艺术个性已经成型的画家
他的绘画语言已经形成了独具风格的艺术特色。艺术风格的形成，除了画家的自身知识素养之外，主要靠平时的生活的积累与艺术的实践，只有这样积累生活，在发现与表现人的思维的时候时，才能认艺术的独特性对于一个画家的重要，包括自己用怎样的绘画语言以表达自己所获取的审美语言又用怎样的方式。当代画家任传文的作品大多冷色调，清雅、静谧，充满童真与性灵的悸动，般若禅意的流贯。《秋声》是早期代表作，此时造型工整细致，但手法已体现出精神性探索。画面上方，一线风筝逸出蓝空，两旁鱼儿般云朵满怀意趣；中间，幽蓝湖水，倒映黄树林，左侧红砖房，前边白褐树，每一笔通灵般描绘细致；一男孩手举纸风车，奔跑于金灿灿路上，这儿时，旋转画布上，竟有莫名喜悦与感动。我认为画家存在的意义是画家不仅仅能够在平凡淡泊的岁月里和司空见惯的事物中唤出某些心灵深处的特别的情感，而更在于他能够在其中发现一种崭新的艺术语言，并不遗余力地去实现它。任传文先生就做到了这一点。他的每一幅画都是一个真实情感以一种与之相吻合的特别形式的袒露，形成了他独具特色的艺术语言。在笔者多年的习画过程中，当然也有自己的看法，要形成自己的绘画语言，也离不开借鉴，模仿为了学步，一旦能独立行走，掌握了方法，就应当抛弃掉。甚至有意回避掉。绘画中的个性不是绝对的以自我为中心，绘画语言也不能特殊很神秘或没人知道。我们所提倡的艺术个性，应与人民大众的审美要求相契合。每一个艺术创作都是时代的产物，都遵循着某种艺术原则，适应人的审美需求。艺术家拿出自己对生活的看法，通过艺术思维转化为绘画语言。绘画语言既是表现对象、表达情感的手段，也是画家和观者审美交流的桥梁。要使画家在思想感情上发生共鸣，进行心与心的交流，这种共鸣和交谈应该是独特的，是积极向上的、健康的、真挚的、高尚的。画家不可能和所用的观者产生共鸣，因为每个人的兴趣爱好，审美，艺术素养，欣赏习惯都是不一样的，画家永远不可能也不必要去追求人人满意的绘画效果，要争取人们热爱生活和艺术的绘画效果。艺术家应该是时代的领航者，他有义务提高和引导观者审美能力和趣味的责任，通过自己的语言传出画者的心声。
三、结语
综上所述，只要你热爱生活，热爱艺术创作，热爱这片土地，永不停歇的去探索属于自己的绘画语言，属于你自己的艺术特色，我相信你一定能画出只属于你自己的独具特色的为人所欢迎的画作。
1959年，年仅28岁的詹建俊创作出表现重大历史题材的经典之作《狼牙山五壮士》，画作描绘的是抗日战争时期五位八路军战士在寡不敌众的情况下顽强战斗，直到打光最后一颗子弹毅然砸枪跳崖的英勇场面。
创作中，詹建俊选用了金字塔式的三角构图：把xxx员、班长马宝玉放在画面最前面，以表现他宁死不屈的精神；将副班长葛振林置于最高处，以体现出他不可征服的气概；并在对胡德林、胡福才、宋学义三名战士的刻画中强调了对于敌人的仇恨与蔑视。通过这样的人物组合，《狼牙山五壮士》凝聚成整个群像大义凛然的英雄气魄，塑造出5位八路军战士纪念碑雕塑式的英雄群像。
（一）形成初期
据史料记载，在十四世纪之前，油画还没有产生，人们在作画时采用的是最为简单的“调和法”，“调和”的材料主要是“颜料”“蜡”“动物胶”，有的人则将“颜料”和“蛋黄”搅拌在一起。直到十四世纪末和十五世纪初，荷兰的凡·爱克兄弟充分借鉴了前人的作画经验，并进行了多次的实验，发现了一种新的“调和剂”，即亚麻油、核桃油。用这二者进行油画创作，其优点较多：一是颜料干燥，时间适中；二是颜料干透后牢固性强，色彩相对稳定；三是画面保存期久，在创作油画时也相对便捷。正因为如此，这种“调和剂”瞬间传遍了欧洲各个角落。后来，随着时代的变迁，十六世纪的威尼斯画派人物提香把目光转移到了“色彩”的运用上，注重以“色彩”来表现“形体”，同时，强调了对古典油画中人物内心世界的洞悉和挖掘。在表现手法上，提香没有依赖于“线条”来塑造画面形象，其重点在于依靠“色彩”来表现自己的画中内容，一举促成了欧洲古典油画初期的形成。
（二）发展时期
到了十七世纪，欧洲古典油画取得了迅猛发展的惊人时期，其在各个国家都呈现出了蓬勃发展的繁荣景象。在当时，各国画家都能从自身生活实际出发，从多个角度来深挖欧洲古典油画的文化特质，大大地拓宽了古典油画的题材范围，既提及历史等内容，也包含个人或群体肖像，还涉及风景画和各民族民间风俗画。在绘画技巧上，更是日益成熟，进而形成了不同的欧洲古典油画学术流派。法兰德斯的鲁本斯、荷兰的伦勃朗、西班牙的委拉斯贵支都发展了提香的油画技法，能够熟练地将“素描”与“色彩”进行相结合，且自成油画技艺体系，足以说明其古典油画创作水平的高超。之后，意大利的卡拉瓦乔强化了古典油画的“明暗强度对比”，使油画中的光线更加强烈；西班牙的格列柯采用了凝重的色彩，令各种色彩相互挤压渗透，扑朔迷离，极其富有神秘感；荷兰的伦勃朗注重人物精神状态的展示等，都使欧洲古典油画艺术的发展更上一层楼。
（三）新古典主义时期
从十八世纪开始，欧洲油画进入了新古典主义时期，一直持续到十九世纪初，这股思潮在人类绘画艺术史上留下了辉煌的一页。在当时，欧洲新古典油画以法国古典主义思潮最为流行，曾盛行一时，后来又逐渐地发展成官方学院派艺术，其经典之处在于对“素描感”与“塑造感”的追求。大体上讲，欧洲新古典主义油画旨在深层次地挖掘古典油画艺术的“理想美”，既重视对“古典风格”的追求，又强调“理性”与“自然”的完美结合。在代表人物方面，欧洲新古典主义油画的代表人物是大卫，其贡献尤为突出，而最后一位官方学院派的古典主义大师是安格尔，其作品也受到了世人的喜爱，也为欧洲古典油画艺术划上了完美的句号。
欧洲古典油画的技法基本上都呈现出比较单一的倾向，以简约风格为主，采用了两个重要的方法：一是“丹培拉”画法，二是“演变”的直接画法。对于“丹培拉”的画法而言，它可以说是最为古典的油画画法技巧，主要是通过鸡蛋清和但马胶进行融合，即通过间接的手法进行调色。比如，在有色底上提白，以便实现“素描”效果，再进行反复的色彩罩染处理，而到了最后也逐渐出现了直接调色的作画技巧。大体上讲，欧洲古典油画具有四大基本特征：一是“写实”画法的运用，即所画作品的事物与实物基本类似，仅仅依靠“光”和“影像”来稍作修饰；二是“大色块”的色彩表现，即常常采用鲜明的民族风格进行绘画，把关注的重心由对整体的关注转移到了对局部的关注；三是“细致”的笔法运用，即对局部事物呈现的笔触处理非常谨慎，每一笔都极其细致，容易集中“色块”，使色彩在画面上很具有整体感，从而让物象更具有焦聚感，显得更加形象、逼真；四是坚持“以写实为主”的绘一理念，让古典油画创作更加接近现实生活，以此从现实生活中发现艺术，强调了对“真实存在事物”的临摹，不再以“写生油画”为主，开启了欧洲古典油画创作形式的新纪元。从欧洲古典油画的基本特征可以发现，其在有限的技术条件下，所产生的人类智慧是不可估量的，其艺术传承价值也是不言而喻的。
论文摘要：由于不同的理解和创作方式，油画语言表现形式的多样性展现了画家精神世界不同的维度。为了更深入体察油画艺术的创作过程，文章从表现对象、本体语言和表现形式三个方面，对油画创作实践过程中的体验与反思进行了阐述，深入探讨了体验的方法和反思的必要性。
论文关键词：油画创作 体验 反思
油画，作为架上绘画的一种表现形式，具有丰富的表现力和极强的包容性，从表现的材料的物理性来看，油画具有其他画种无法替代的趣味性，深受广大观众的喜爱。油画在我国发展的历史不是很长，但它早已成为我国绘画表现形式中的主力军。在学习油画的20余年里，笔者作为油画学习者中的一分子，至今还不能算是入门，自身感觉学习油画除了需要极高的天分之外，还需要用心、深入地体验与反思。油画创作离不开对表现对象和本体语言的体验与反思，离不开对表现形式的探索与反思。
>一、对表现对象的体验与反思
表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的，也可以是意象的，更可以是抽象的。无论画作是具象的、意象的还是抽象的，都必须经过画者头脑的体验与反思，才可能形成具有感染力的绘画作品。首先，画家要对写生的对象进行深入地察，从人物的外表（性别、年龄、衣着、色彩、姿态）到人物的内心世界（气质、性格、表情）等。笔者曾经听一位老师说过一句话，至今记忆犹新，他说，在观察事物的时候，我们的眼睛要像饿狼一样敏锐、贪婪，不要放过每一个细节。
人物是我们最熟悉不过的客体，但最熟悉的往往在视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉得到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。但是，若要把人物搬到画面上去，不仔细观察是不能完成的。深入地观察不但要入木三分地把握每一个细节的变化，还要注意体会其中的联系以及各个部分相互间的影响。
美国画家基蒙·尼克莱代斯著名的素描教学法就十分强调视觉与触觉的结合，他倡导一种素描的写生方法叫盲画，就是不看画纸和画笔，眼睛紧盯着描绘对象的体型轮廓，目光缓慢地随着对象的形体轮廓移动，手中的笔也随着目光的移动而移动，目的是训练画者学会用目光去触摸对象。刚开始用这种方法练习时，笔下画出来的物象一开始是完全走形的，但盲画出来的线条不像平时画出来的线条的样子。经过一段时间的训练之后，盲画的准确性在提高，最重要的是感知逐渐深入了，不再停留在浮躁的阶段。一些有成就的画家在谈到体验表现对象的过程时，总是强调要充分而全面地调动身体的所有感官，同时，把视觉上的深入观察运用到极致。笔者的老师钟以勤先生曾告诫我们：观察对象的时候要学会用目光触摸，用目光体验对象的质感和细微的起伏、转折关系，甚至要体会对象的温度和体内的脉搏，要想象你的笔触是在对象身体的表面上移动，让自己身心感受融入到对象中去。
但是，仅仅是这样的体验和感知是不够的，这不过是对物体知觉的常识性观察，这样的观察使人很容易陷入客观主义思维的模式，被自然对象牵着鼻子走，成为自然表象的奴隶。观察要融入到对象中去，反思却要能跳出对象。画画不同于照相，并不是把客观现实完全照搬到画布上去，即便是对景写生，表现的也只是相对正确的关系。因此，这个表现的过程就是一个主观处理的过程，主观处理的过程就是反思。观察不仅要深入揣摩表现对象的本质特征，同时还要摆脱表现对象客观实在对艺术表现的束缚，打破普通视知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找属于自己的独特视角，避免流俗或雷同。面对不同对象的写生，体验会不同，反思也就大相径庭。对客观事物体验的方面不同，个人反思的取向不同，得出的结论即呈现的画面效果也不同，也就造成了千人千面的风格。
>二、对本体语言的体验与反思
油画本体语言潜藏着无限的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画本体语言包含了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画本体语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。对油画本体语言的体验从初学到入门以及从入门到挥洒自如要经历十分漫长的过程，对于个别有天赋的画家来说这个阶段可能会短一些，但更多的人都经历了数十年的探索与实践，才能真正把握其性能特点。
绘画材料进入到艺术创作的语境中改变了身份，它们不再是单纯的材料，而是被赋予了一种寓意、象征和存在的价值的本体语言，成为画家自我的延伸。一般在创作前，画家对选择运用的媒材都会预设一个基本效果，但对创作过程中产生的变化未必能完全控制或把握，因此，必须要及时总结经验，进行必要的反思，以达到熟练掌握和控制所运用的媒材，确切传译个人语义，从而达到实现自我表达的目的。画框作为油画的依托和载体，内框与画布质量的好坏，直接影响作品的质量。许多大城市的画家已经不再自己绷画布、制作画底，这个环节的省略可以为画家节约许多时间。然而笔者认为，如果从学习油画开始就从来没有经历自己动手做底的过程，一般是很难发现基底材料对作品影响的奥秘的，也很难找到适合自己绘画表现的载体。要深入了解绷画框的程序，并可以根据自己绘画的要求对画布质地进行挑选，对画布基底材料的性质有选择地制作，是保证创作顺利完成的前提。
就单纯的'物质特性而言，油画颜料的色性稳定，却因不同的使用者和不同的使用方法而千变万化。单就调色的顺序不同、敷色的厚薄不同、笔触的肌理不同、运笔的方式和力度的不同，油画颜料都会由此而产生不同的结果，其丰富微妙的变化需认真体察并加以总结才能逐步掌握运用。初学油画的时候很容易被其稳定的色性所蒙蔽，认为油画没有干湿变化会比较好把握，通过一段时间的学习才发现其实不然。认识、理解了油画本体语言的意义也将在画面上实现表达的意义。油画与生俱来的包容性，更加扩展其语言表达的可能性。在最近的十余年里，中国的油画家们在油画媒介与材料方面做了大量的探索，取得了长足的进展，使油画这个架上绘画表现形式在中国的发展还方兴未艾。
>三、对表现形式的探索与反思
表现形式是作品主题的艺术思想阐发的最重要的方式，形式语言比直接的说教更具力量。重构是艺术家对既有的绘画形式的探索和反思，它具有两种基本特征：一是创作观念上的“形式自律”和“主观创造”；二是艺术家发挥主观创造性，在作品中将自然形象解构，重新组织画面结构，建构出一种非写实的艺术形象。绘画形式的探索和反思既满足了艺术家的创作欲望，充分释放艺术家的创造潜能，发挥艺术家的自主创造力，又促进了艺术风格不断推陈出新，使艺术世界更加丰富多彩，满足公众多元化的审美需求。
被称为“现代绘画之父”的塞尚，在观察自然和艺术创作实践中，通过探索、反思、创作、想象，形成了个人的艺术主张：用圆柱体、球体、圆锥体来处理自然，其作品形成了概括性、结构性、秩序性、主观性、自律性、重构性和创造性的鲜明特征，他是站在前人丰厚的积淀上开拓了新的艺术疆域。“塞尚一小步，艺术一大步”，这是对个人在形式语言上进行的探索反思取得的成果，推进着艺术发展进程的最好注解。
在当下纷杂的艺术思潮下，要取得油画创作的新发展，不仅需要画者放下急功近利的浮躁之心，保持坚持创作的恒心和定力，还需要画者能潜心体察表现对象和油画的本体语言，并对表现形式进行不遗余力的探索与反思。
一、油画肌理的美感特征
二、油画肌理的表现形式、方法
油画肌理的表现形式、手法可以说是多种多样的，但主要有隐性肌理和显性肌理。隐性肌理需要借助一些必要的工具来发现，显性肌理在正常光线下能给人一种视觉效果的肌理。油画肌理的其他表现形式大致可以分为意象肌理、抽象肌理、具象肌理、材料肌理等。意象肌理广泛用于油画的创作之中，将绘画的本质特征进行提炼，转换为油画善于表达的语言。抽象肌理是不再现所要表达的绘画对象，而是绘画者通过自己的理解、组织将其转化成另外一种表现手法，是一种抽象画的表现元素。具象肌理真实地反映绘画的对象形制，其肌理形式是如实地表现出纹理的视觉特征。油画具象肌理在写实主义里表现的比较多，也会借用其他材质来增加其质感的表现形式。材料肌理是利用不同材料的物理属性来表现的物理属性，所关注的是使用材料本身的特性。油画的表现方法有三种：直接绘画法、边画边做肌理、先涂底再绘画。直接绘画法是最传统的绘画方法，其绘画肌理效果也是最常见的。在绘图过程中肌理表现自然流畅，其肌理效果不会借助其他工具和材料；边画边做肌理是表现比较厚重感的画面时常用的方法。先画一层，再用画笔或刮刀涂上一层颜料，通过这种手法达到一种厚重的油画肌理；先涂底再绘画，一般是先用一些凝固快的材料来做底，如丙烯、立德粉等，待底料干后再绘图。
三、油画创作过程中肌理的运用
笔者在油画创作过程中也会运用一些肌理来增加油画的质感，但是总体目的就是使得画面形成一种整体关系。绘画时，在传统油画的肌理效果基础上进行肌理制作更是自由，可以不断尝试利用各种新材料、新技法来制作油画肌理。不过这些都源于制作肌理的材料多样化，如赤铁粉、锯末、玻璃、石灰粉等均有使用。多种多样的材料可以说绘出了千变万化的油画肌理效果。例如，笔者在油画创作实践中，使用丙烯或丙烯塑形膏和优化颜料一起制作画面肌理效果，由于丙烯易干，在创作时还可以在颜料里面掺入沙子、锯末等材料制作更夸张的肌理效果，以求得之前创作时未得到的油画肌理效果。综上所述，在油画创作中肌理是一种重要的绘画语言。笔者在绘画创作中，通过利用新材料、表现手法使作品更具有奇特的肌理效果，注重突出艺术精神内涵。笔者认为，在创作过程中，除了自己熟练掌握一些肌理处理方法外，还要时刻汲取传统艺术的精髓，要学会不断和自己的创作相融合。油画虽然是从西方传入中国的，但是通过国人的不断学习、创新、改进，已经有很多优秀的、独特的绘画作品被创作出来。
我相信每个人都会有自己的心愿，每个人的心愿都会别具一格。有人想当军人，有人想当老师，有人想当企业家，而我的心愿是当一名画家。
有人会说，画家是一个不不务正业的职业，除了画画其他什么都不会。我并不这么认为，我觉得画家很酷，具备特殊的情感表达方式，想画什么就能信手沾来，什么情感都可以从画中流露出来。有一次上素描课，老师突发奇想，让我们以素描的方式来临摹一张梵高的自画像。我不由得心里一惊，这可是一幅油画啊！让我们用素描的方式画油画，这不是在为难我们吗？我看着老师给我们的图纸忐忑不安，平时画技还不错的我真不知道从何画起。我反复擦画，用了整整三个小时在那里临摹。手酸得不行了，但画不出想象中的效果。同学们个个都向老师诉苦“我们太难了”。这时，老师终于打破了宁静，语重心长地对我们说：“这不是画难不难的问题。素描也好，油画也好，水彩也好，你要想学好画画，就得有颗爱画画的心。画得难看没关系，重要的在于你有没有用心在画，要学会观察，学会用平静的情绪来面对。画的过程，也是个人修为的过程”。听了老师的话，我茅塞顿开，几经修改后终于完成了老师的作业。
我佩服画家们能画出令人赏心悦目的画，为人们展示了对美好生活的向往；佩服画家能用简单的画笔，勾描出尘世喧嚣中仅存的那份清净。因此，我也想成为一名画家，去探索那无穷的美术奥秘。
（一）油画的选材
欧洲古典油画的艺术魅力在于其艺术表现的独特性，其中，一个明显的艺术表现在油画的选材方面。一般来说，欧洲古典油画注重整个画面的“明度对比”，以至于“色彩”的运用相对单一，主要以“素描”为中心，“色彩”为辅，确保整个形体看起来比较“真实”。在具体的绘画过程中，古典画家经常会采用“明调”与“暗调”相结合的手法，以此实现古典油画创作的“整体性”效果。正因为其选材独特，使中国现代油画也在很大程度上借鉴了其绘画色调的一些创作特色。比如，《蓝衣少女》就以“欧洲古典油画”的形式进行作画，侧光层次感强，同时，带有一定的厚重感，运用“树叶”来陪衬整体画面效果。这样一来，可以让观众看到以拉斐尔为代表的前派古典油画创作的影子。
（二）油画的构图
与中国油画艺术不同，欧洲古典油画创作注重“构图”的含蓄性，强调了对人物姿态的合理构造。大体上讲，欧洲古典油画在构图方面呈现出了“沉稳”的基调，形成了“金字塔式”的构图，总是能向观众展示出以“正侧面半身坐姿”为主的画面人物动态。从欧洲古典油画的构图形式来讲，着重强调了对人物的“脸部”“胸部”“手”等的描绘，同时，在画面结构上做好布置好色彩，突出色块的独特性，以便让整个油画的结构给人带来一种“主次分明”的感觉。例如，在欧洲古典油画作品《蒙娜丽莎》中，就是采用这样的油画构图艺术表现方法，才使画中的人物形象更富有活力，给人带来一种无比美的视觉感，可以说，“空气透视法”是《蒙娜丽莎》独特的画面塑造技巧。
（三）颜色的穿插
欧洲古典油画的艺术表现在色彩运用上也十分突出，尤其是在罩染过程中对颜色的穿插显得格外成功。在颜色的穿插方面，强调了色彩不能单独地形成画面效果，而要与其他色彩联系起来，相互映衬，共同突出油画作品的色彩表达效果。例如，在欧洲古典油画的底层涂罩时，其颜色要擦入笔触，往往通过底层肌理的起伏来填入颜色，最终目标是为了形成“相互交织”的颜色变色格调。实际上，这种色彩也被称之为“色垢”，是伦勃朗的古典油画创作技巧的重要特色，该技巧强调了绘画人员要擅长使用“软布”“海绵”“手”等辅助物来擦色、抹色和揉色。值得注意的是，罩染时，不可填入“白色”，原因是一旦填入“白色”，就会让色彩丧失透明度。
（四）画面的保护
当然，一幅古典油画作品的成功完成，耗尽了画家的许多心血，确实是一件不容易的事情，这就要求做好油画画面的保护工作。其实，欧洲古典油画的画面保护也呈现出了自身独有的艺术表现力，最早是通过“干性油”来保护画面，其效果在于能让画面更富有光泽，增强其鲜明度。后来，随着社会的发展，欧洲古典油画画家则开始使用“相互融合的颜料”，即“油料”与“颜料”混为一体，然后，在画面底子上作画。最为重要的是，“干性油”的保护法丰富了欧洲古典油画画家的创作技法，以至于形成了“透明”与“半透明”的画法都离不开“油料”的配合，这些都是保护欧洲古典油画画面的重要艺术技法。
《公元一千九百四十五年九月九日九时·南京》是画家陈坚花费十年心力的鸿篇巨制，该画描绘了抗日战争胜利后日本递交投降书的庄严场面。
画面庄严肃穆，正中央从左到右是按英、美、中、苏（事实上是按美、中、英、苏）的先后顺序从中间向两边展开的。画面中包含了近似于真人大小的200多个人物，场面宏大，画家通过正面的纪实手法真实再现了抗日战争胜利后，日本xxx向我xxx民投降的场面。
画作凝重庄严，视觉冲击力极强，向世人展示着那段历史中的正义和罪恶。达到了思想性、艺术性、观赏性的完美统一。
在这个世界里，在我们的关于油画创作感想生活中，良多美妙的声音是我们听到的，但是也有良多声音是我们看到的，想像到的，我画的花卉就是我看到的美妙的声音，这些声音让我感觉到生命的语言，所以我禁不住把这样美妙的声音，无比动人的花语用色彩摆放在我的画布上，任凭涌动的心绪通过画笔、刮刀在画布上横涂竖抹。刀迹、笔痕交替游走，从构图到着色，从画面色层衔接到笔触变化，倘若间或有几笔似灵光闪现正合胸臆，心中便升腾起无边的快乐。
我会努力把喜爱的画家笔意带入，由于深知脱离前辈的积累乃无水之源。我喜欢对比色，柠檬黄加白的辉煌夺目，熟褐加土黄的沉稳而不失强烈热闹——这样的画面响亮打眼。我又会试图把每一幅作品拉开色调，争取给人以不同视觉感慨感染。刮刀是我的重要“武器”，我的画面中大部门竟会依赖它来完成。笔法的丰硕会让画面增色不少，追求多方向的笔触变化，画画对我来说是一种精神旅行，是件快乐的事。好与坏，只要真诚表达就行。
我热爱油画创作，喜欢以印象派表现手法来体现我的画风，那些沐浴在光线中的天然景色和光与色在瞬间相遇的感觉深深的吸引着我，我将尽可能的把这种瞬间感觉经验转化为感情状态。
我画花卉的时候感觉到，每一种花草都有自己的语言，都有自己的性格。花开花落都是诗一般的感觉，不管是娇艳迷人具有诱惑力的xxx花仍是出于淤泥而不染的荷花或是具有顽强生命力的格桑花，芦苇花，它们都用生命的语言诉说着自己的故事。我想画的不仅仅是花卉，人物，动物，风景等油画作品，而是但愿能把我看到，感慨感染到的各种可以表达思惟的声音用绘画的语言表现出来。我以为无声的语言是最丰硕的，由于它赋予我们无限无尽的想像空间。人的思惟是自由的，艺术发展没有底线，艺术的美与丑都因各个的赏识角度而不同。大芬村
糊口中我们所见的事物有太多次的打动，每一次另我们打动的事物我们都会用不同的方式把它们记实下来，我庆幸自己能用绘画的方式来表达思惟，也不断的在学习，巩固这项技能，但愿能更清晰的把绘画的思惟和语言传递给观赏者。我喜欢旅行，想在良多锦绣的地方都留下自己的足迹，想采摘更多的美景，更多美妙的感觉，让这些锦绣停留在我的画面上与热爱它们的人们共同分享，这该是我想不停的运用不同色彩和绘画方法在油画布上涂抹摆放的目的。艺术是人道的天然的流露，绘画作品是有感而生的产物，我所要达到的画面效
与印象派之后画家不同，古典画家基本上都偏向于赞助人完成订件。如果买卖中一方说话不算数，画家就不会再消耗功夫在这方面，毕竟艺术家需要新的订单佣金来支撑生活。一般来说，古典油画大师们留下了没有完成的三种作品：一是处于底稿阶段的状态，如《圣芭芭拉》《Harlequin》和《未完成自画像》；二是画面局部或大多已经接近完成，剩余部分为底稿阶段，或者有的只余下轮廓的底色，像米开朗琪罗未完成木板蛋彩画《曼彻斯特圣母》和《埋葬基督》，以及雨果·凡·德·古斯的《圣母、圣子与圣多默、圣若翰施洗者、圣叶理诺及圣路易》；三是还有一种为已经完成底层绘制，比如，鲁本斯、布鲁盖尔的个别作品。正是因为有了各位大师们未完成的作品，才为我们揭示了大师绘画色层的几种状态。仔细观察欧洲古典大师达·芬奇、米开朗琪罗、扬·凡·艾克、蓬多尔莫、丢勒，直至当代画家xxx和弗洛伊德等画家的未完成之作，都是勾勒处理好基本造型后，然后以局部推进的方式进行深入塑造。例如，在18世纪，德国画家安东·拉斐尔·门斯创作的一个抱着小狗的“贵妇肖像”，其中人物的衣着几乎全部完成，华贵的衣裳也展示得熠熠发光，但是，人物头部才开始进行了基本肤色和光影的刻画，还有人物的“五官”仅仅有隐约朦胧的轮廓，对宠物狗的描绘也只是停留在了勾画好了的外形上面而已。丢勒作品《SalvatorMundi》完成度与之接近，油画中人物衣服的塑造也已经完成，人物脸部和手部以及手部上面的透明球体尚待进一步绘制表层颜色。如果说，这两位画家都是德国画家，二者有着相同的绘画系统，那么现代主义艺术大师xxx的《Harlequin》却也意外地以传统线影法先完成了欧洲古典油画中人物的塑造，也有一部分画家以直抒胸臆的笔法，直接使用油彩，粗略地勾划、铺设色彩，比如，马奈、柯罗、丁托雷托等大师均是如此。不难发现，通过对欧洲古典油画家未完成的作品的直观观察，再透过现代科技手段对古代作品的局部颜料颗粒做显微观察，则可以发现欧洲古典油画大师们绘画手段是以各种手法步步为营、层层铺垫，通过上下色层的主动叠加，进而达到最终画面需要的完美效果。实际上，这些色层的叠加，基本上都是以“三层”“四层”为主，这些色层的叠加大多数也是干燥之后的覆盖，并随着画家技艺的熟练而使一些色层能够趁湿完成。
总之，艺术源于人们的日常生活，艺术也要为生活服务，绘画主要是通过静态的作品向观众展示生活的方方面面，给人以视觉的冲击和心灵的震撼，从而教育人们深刻理解人生，懂得生命的价值及意义。作为绘画艺术的起源地，欧洲拥有最为古老的油画艺术作品，尤其是欧洲古典油画更是彰显了人类的无穷智慧和深邃的洞察力，才为后世人们留下经典的绘画作品。本文着重讨论欧洲古典油画的艺术表现形式，旨在通过进一步了解其绘画精髓，把握其绘画的关键技巧，为现代油画艺术创作注入古典元素，增强现代油画作品的感染力。尽管欧洲古典油画所处的时代较现代甚是遥远，但是，它拥有现代油画难以企及的功绩，诸如其精准的造型、静穆的画面所带来的理想美感，始终令世人赞叹不已。当然，伴随着科学技术的迅速发展，油画所用的工具和材料都在持续更新，掌握欧洲古典油画的艺术表现，有助于推动现代油画创作艺术的高质量发展。
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